Скульптура проторенессанса: Искусство Проторенессанса. | Искуству.ру – краткая история искусств

РЕНЕССАНС ХУДОЖНИКИДля деталей художников / скульпторовпо Rinascimento , см:Раннее Возрождение художников (1400-90) Высокого Возрождения Художники (1490-1530)

ПОСЛЕДНИЕ РАЗВИТИЯПодробную информацию о живописи и скульптурев разных итальянских городах вовремя кватроченто и чинкечентосм. :Искусство Возрождения во Флоренции Искусство Возрождения в Риме Искусство Возрождения в Венеции

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВАХронологию и датыключевых событий в развитииизобразительного искусства во всем мире можнонайти в: History of Art Timeline.

ЖИВОПИСЬ РЕНЕССАНСАСписок наиболее важныхкартин 15 века см.:Величайшие картины эпохи Возрождения.

Автор оригинального текста – Нил Коллинс (Neil Cоllins).

Скульптура проторенессанса (Джованни Пизано)

Джованни Пизано (ок1250-ок1315г), сан Николо, продолжает дело отца, во многом сочетает новое с готикой. Его стиль отличается больше свободой, динамичностью, фигуры в движении, есть разные средства драматизации. Характерны резкие повороты и угловатые очертания. Сначала работал вместе с отцом (Перуджа), первая самостоятельная работа – декорация (скульптура) пизанского (Пиза) баптистерия в 1280х (впервые монументальная скульптура органично включена в архитектуру), он был во Франции (есть влияние французской готики). В 1285г приехал в Сиену, где стал главным архитектором собора (тут уже все успокоено), а ок1300г вернулся в Пизу. Можно даже сказать, что у него последовательно неклассический стиль. Есть некоторая потеря масштабности, а вообще на скульптуру влияет живопись (Джотто).

Кафедра Сант Андреа в Пистойе, 1301г, Джованни. Тоже 8гр, но изменяется характер рельефов, все более взволнованно. Сами рельефы не плиты, а выгибающиеся – кафедра почти круг. От Никколо отличается все большим изяществом, опять Мария и Гавриил чуть сзади, но пастухи уже подходят, а на переднем плане рожающая Мария. Больше жизненной достоверности и выразительности, подробности достаточно ясно прояснены. Ангелы будят заспавшихся волхвов, а то они пропустят момент богоявления (ангел прямо потрошит бородатого волхва), много уже эмоциональных подробностей (но они вообще то характерны для готики). Избиение младенцев – верх эмоционального напряжения, выражение насилия, сгусток трагедии. Таких деталей еще не знало искусство Италии предшествующего периода.

Кафедра собора в Пизе, Джованни, 1301-1310г. Уже 10гр, уже почти круглая композиция, колонны опираются на львов (те терзают ланей или овец), вроде через 2, на «аттиковой зоне» почти нет разделений (уже не готический трилистник, а скорее волюты). Есть опорные колонны, но часть заменяется круглой скульптурой, центральный столб заменяется сросшимися скульптурами 3х добродетелей (Вера, Надежда, Любовь). Готика здесь уже доминирует. Аллегории Силы Геракл), Умеренности и Веры (женщины). Это женские обнаженные фигуры. Сцены стали массовыми, живописность, экспрессия, стиль более драматичный, но сухой (есть некая графичность). После пожара она была разобрана и собрала только в 20в, там появились «лишние» плиты.

Мадонны: Джованни является мастером многочисленных Мадонн. Есть Кампосанто, Пиза, 1280

(вроде это та). Мадонна с младенцем из слоновой кости, она держит его на руках, отклонилась, но слишком сильно. Низ получился абсолютно правильным, а вот верх непропорциональным, добавляется и готический изгиб.

Мадонна из капеллы Скровеньи, 1305-1306г, такая же, как из слоновой кости, но уже более живая. Пропорции верные, отклоняется не так далеко, а младенец, наоборот, наклоняется к ней и к нам, таким образом, получается сложное движение. Из баптистерия в Пизе – тот же тип.

Надгробие Маргариты Брабантской (Люксембургской). Он его не доделал, возможно из-за смерти. Но из того, что есть, видно, что она лежала, а по сторонам два ангела как бы поднимали ее. С одной стороны, традиции романики и готики, с другой – более реалистичные вещи, складки приближаются к движениям.

Тосканская скульптура 14в.

Скульптура переживает расцвет особенно в готику. Расширялись связи, новые черты и стили распространялись активно, но усваивались не равномерно – у каждой школы была своя специфика. К флорентийской школе относятся: Андреа Пизано, Нино Пизано (сын), Андреа Орканья, Нанни ди Банко, Никколо ди Пьетро Ламберти. Основные памятники северной Италии: Лукка – собор Мартина, Милан – памятник Бернардо Висконти, Верона – Санта Мария Антиква, Надгробие Кангранде делла Скала, Венеция – декор Палаццо Дожей, Санта Мария дель Орте. Вся Италия на готическом пути, но Флоренция преобразовывает готический опыт, создает новый язык, есть возможность для развития.

Тино да Камаино, (упоминается 1306-1336), из мастерской Джованни Пизано, есть чувство силы, мощи, пластического объема, и есть влияние готики. Его стиль архаичнее Джованни и Арнольфо, но он очень мощный.

Надгробие кардинала Петрони в Сиене, 1315-1317г. Подобен гробнице ди Брей. Наверху идея покровительства и небесного спасения, в центре саркофаг с кардиналом Петрони (уже не трогательные дьячки, а полнотелые юноши, их 4, еще стоят сзади – попытка артикулировать пространство). На пьедестале саркофага идея спасения – воскрешающий Христос и все, что связано с его последними днями. Поддерживают фигуры юношей-атлантов. Здесь уже скульптура преобладает.

Гробница епископа Антонио д’Орсо. Есть упрощение, внимание к фигуре умершего, усиливается пластика нижней части фигуры (учитывается окончательный ракурс), усиливается пластическая трактовка образа.

Лоренцо Майтани, 1275-1330г, сиенская школа. Для него характерна повествовательность и проработка мелких деталей. Самая известная работа – украшение пилонов собора в Орвьето, он же считается и проектировщиком фасада. В нижней части порталов от Сотворения Адама и Евы до Суда. Пилоны фасада, 1321-1330е. Чем-то все это напоминает миниатюрные картинки, плоский рельеф, все сены разделяются лозами на квадраты, но появляется картинный принцип, рельеф как самостоятельная картина (появляется живописный рельеф), ковровое мышление. Самая драматичная – сцена Суда (Апокалипсис, воскрешение мертвых, тут несколько регистров, куча народа, большая изобретательность в изображении мук). Все здесь не монументально, а деликатно и мелко. Есть готический натурализм, но есть и точность анатомической передачи, внимание к деталям (жанровый характер трактовки религиозных сюжетов). Но есть и внутренний пафос, драма.

Андреа Пизано, 1290е-1350е. Из Мастерской Майтани, но он – флорентийская школа. Сначала был ювелиром – знал металлы, был в Пизе, Флоренции, Сиене, Орвьетто. Многофункциональный человек.

Южные двери флорентинского баптистерия,1330-1336 (с другой стороны двери Гиберти – Золотые врата). Изначально его двери были на востоке. Внизу христианские добродетели и пороки, вверху цикл Крестителя. Низкий бронзовый рельеф с декоративной позолотой. Всего 28 барельефов, каждый окружен готическим сложным квадрифолием. В некоторых квадрифолиях помещаются консольки-опоры. Золото иногда помогает выделить первый план. Рассказ дробный, нет монументальности, но хорошее чувство ритма и композиции (сюжеты вписываются в квадрифолии), детализированный рассказ не разрушает общее, есть четкое композиционное решение (те есть влияние Джотто, но нет его эпичности). Линеарное начало. Встреча Марии и Елизаветы, статичная форма, рассказ на полочке, фигуры объединены (и эмоционально тоже), есть пространственная глубина.

Кампанилла Санта Мария дель Фьори. Нижняя часть – два яруса рельефов, они изображены в рондо и в 6 угольники. Там добродетели и мотивы календарных циклов – Труды и дни. Здесь работали очень многие мастера флорентийской школы. Он работал вместе с Джотто, мраморные рельефы выполнил по его рисункам. Аллегория Силы – влияние античности больше, чем у братьев Пизано (то же будет у Гиберти), использует бурав (уже пространственная глубина, по крайней мере иллюзия).

Нино Пизано, сын Андреа, ок1315-ок1368г. Он эволюционирует в сторону нарастания стилизации и изменения готических форм. Еще делал Венеру для 2яр Кампаниллы Джотто.

Madonna del Latte
1343-47
Marble, height 89 cm
Museo Nazionale di San Matteo, Pisa

Мадонна с младенцем (дель Латте, Спина). Это полуфигура (он делает либо такие, либо большие статуи Мадонны с младенцем). Статуя с раскраской (декоративное, полихромное решение), стилистика готическая (изгиб, ткани), но образ очень изысканный. Младенец сосет грудь – степени натуралистичности уже не готическая.

Андре Орканья, 1344-1368г. Он еще и живописец, поэтому у него искусства взаимосвязаны.

Церковь Орсанмикеле во Флоренции. Большой табернакаль внутри (двусторонний), живопись Бернардо Дадди. С одной стороны Маэста, с другой – Коронование Богоматери. Изящество линий, трактовка движения, есть живописное начало. Внизу рельефы, 8уг, повествовательные. Фигуры пластичные, тяжелые, много натуралистичных подробностей, появляется интерьер, а значит пространство.

Лоренцо ди Джованни д’Амброджо. Важен как знак, это копийность античных образцов, нет творчества. Кризисный характер, исчерпанность творческих форм. Порто делла Мандорла в дель Фьоре.

Север: сильны готические влияния. Декор Палаццо Дожей – консоли вокруг окон, но не держат – атектоника, а

Грехопадение в углах – верх готической пластики. Тут же формируется идея конного монумента: Бернадо Висконти в

Милане, Банино ди Кампионе (гробница: колонны, постамент, конный монумент), Конгранде делла Скала и не известное (оба конные).

ПРОТОРЕНЕССАНС — информация на портале Энциклопедия Всемирная история

ПРОТОРЕНЕССАНС – на­чаль­ный пе­ри­од итальянского Воз­ро­ж­де­ния.

Тер­мин вве­дён Я. Бурк­хард­том во второй половине XIX в. при­ме­ни­тель­но к ар­хи­тек­ту­ре ин­кру­ста­ци­он­но­го сти­ля, в даль­ней­шем пе­ре­не­сён на всё искусство Ита­лии второй половине XIII – начале XV веков, то есть пред­ше­ст­вую­щее Ран­не­му Воз­ро­ж­де­нию. В не­ко­то­рых на­учных шко­лах (в ча­ст­но­сти, италь­ян­ской) проторенессанс не вы­де­ля­ет­ся в ка­че­ст­ве са­мо­сто­ятельного пе­рио­да, а все ху­дожественные яв­ле­ния это­го вре­ме­ни рас­смат­ри­ва­ют­ся как фе­но­ме­ны итальянской го­ти­ки. В отечественном ис­кус­ст­во­зна­нии кон­цеп­ция проторенессанса раз­ви­та В.Н. Ла­за­ре­вым и вы­зва­на стрем­ле­ни­ем под­черк­нуть пре­ем­ст­вен­ность искусства Ран­не­го Воз­ро­ж­де­ния с искусством второй половины XIII – начала XIV веков, а так­же вы­явить свое­об­ра­зие искусства это­го вре­ме­ни; при этом Ла­за­рев раз­гра­ни­чи­ва­ет соб­ст­вен­но проторенессанс и искусство эпо­хи так называемого тре­чен­то (начало XIV – начало XV веков). В рас­ши­ри­тель­ном ис­тол­ко­ва­нии тер­ми­на «проторенессанс» его вре­менны́е рам­ки при­ня­то ог­ра­ни­чи­вать 1260-1410-ми годами (в скульп­ту­ре), 1280-1425 годами (в жи­во­пи­си). В совремиенном за­ру­беж­ном ис­кус­ст­во­зна­нии тер­мин «проторенессанс» упот­реб­ля­ет­ся срав­ни­тель­но ред­ко.

В итальянской ар­хи­тек­ту­ре дан­но­го пе­рио­да гос­под­ству­ет го­ти­ка, ко­то­рая скла­ды­ва­ет­ся на ба­зе цис­тер­ци­ан­ских схем, од­на­ко от­ме­че­на чер­та­ми ро­ман­ской, ви­зантийской и ран­не­хри­сти­ан­ской тра­ди­ций. Скульп­то­ры се­мьи Пи­за­но, Ар­ноль­фо ди Кам­био, Л. Май­та­ни ут­вер­жда­ют ме­тод рабо­ты, ос­но­ван­ный на изу­че­нии позд­не­ан­тич­ных па­мят­ни­ков (пре­ж­де все­го сар­ко­фа­гов), од­на­ко он тес­но свя­зан как с влия­ния­ми северо-ев­ропейской пла­сти­ки, так и с ви­зантийской ико­но­гра­фи­ей. На этой ба­зе скла­ды­ва­ет­ся но­вый язык скульп­ту­ры, бо­лее сво­бод­ный и вы­ра­зи­тель­ный по срав­не­нию с ро­ман­ской пла­сти­кой. Тра­ди­ция по­ве­ст­во­вательного рель­е­фа про­яв­ля­ет­ся в де­ко­ри­ро­ва­нии про­по­вед­нических ка­федр, пи­ло­нов на фа­са­дах со­бо­ров, две­рей бап­тис­тер­иев, ис­поль­зо­ва­нии но­вых схем скульп­тур­но­го де­ко­ра цер­ков­но­го фа­сада (ста­туи в ни­ше), пе­ре­ра­бот­ке ти­па при­стен­но­го над­гро­бия. П. Ка­вал­ли­ни, Чи­ма­буэ, Джот­то и другие мас­те­ра (Мас­тер ле­ген­ды свя­то­го Фран­ци­ска, Мас­тер Исаа­ка), ра­бо­тав­шие в ба­зи­ли­ке Святого Фран­ци­ска в Ас­си­зи, ре­фор­ми­ру­ют мо­ну­мен­таль­ную жи­во­пись, вво­дя в упо­т­реб­ле­ние тех­ни­ку соб­ст­вен­но фре­ско­вой жи­во­пи­си (buon fresco). Рас­ширя­ют­ся как пла­сти­чес­кие (под влия­ни­ем скульп­ту­ры и ран­не­хри­сти­ан­ских мо­за­ик) воз­мож­но­сти жи­во­пи­си, по­зво­ляю­щие раз­ра­ба­ты­вать объ­ём и про­стран­ст­во, так и ко­ло­ри­сти­че­ские; скла­ды­ва­ют­ся но­вый тип ор­га­ни­за­ции ар­хитектурного про­стран­ст­ва жи­во­пи­сью, но­вые приё­мы по­ве­ст­во­ва­тель­но­сти. Жи­во­пись тре­чен­то (братья Ло­рен­цет­ти, С. Мар­ти­ни, джот­те­ски) раз­ви­ва­ет­ся на ба­зе дос­ти­же­ний мас­те­ров ру­бе­жа XIII-XIV веков. В Тос­ка­не по­лу­ча­ет рас­про­стра­не­ние жи­во­пись на дос­ках, ко­то­рая, от­тал­ки­ва­ясь от ви­зантийской тра­диции, соз­да­ёт собственный ин­ди­ви­ду­аль­ный язык. Стре­ми­тель­но эво­лю­цио­ни­ру­ет ал­тар­ный об­раз (Дуч­чо ди Буо­нин­се­нья, Чи­ма­буэ, Джот­то, бр. Ло­рен­цет­ти, Мар­ти­ни и другие.), пре­об­ла­даю­щей фор­мой ко­то­ро­го к XIV веку ста­но­вит­ся по­лип­тих. Итальянское искусство пре­тер­пе­ва­ет за­мет­ные из­ме­не­ния по­сле ве­ли­кой чу­мы 1348 года.

За­вер­ша­ет­ся пе­ри­од проторенессанс рас­про­стра­не­ни­ем ин­тер­на­цио­наль­ной го­ти­ки.

© Большая Российская Энциклопедия (БРЭ)

Мазунинская школа: обучаем дистанционно! – Проторенессанс

Здравствуйте!

Предлагаю ознакомиться с текстом урока.

Свет любви Данте, божественный, как всё, что связано с этим человеком, навсегда остался над Флоренцией, подобно прекрасной немеркнущей заре. Благодаря этому, быть может, Флоренция стала местом веры и радости

Павел Муратов

Родиной Возрождения, её классическим очагом была Италия, имеющая глубокие античные корни, благодатный климат и выгодное географическое положение. В её городах никогда не прекращалась общественная жизнь, а сложившееся мироощущение сильно отличалось от религиозного пессимизма европейских стран, расположенных к северу от Альп.

Итальянское Возрождение принято подразделять на следующие этапы:

1. Проторенессанс, или предвозрождение (конец XIII-XIV вв.), которое делится на: Дученто (двухсотые годы) — XIII в. и Тре­ченто (трёхсотые годы) — XIV в.

2. Раннее Возрождение, или Кватроченто (XV в.).

3. Высокое Возрождение, или Чинквеченто (конец XV — начало XVI в.).

4. Позднее Возрождение (середина и вторая половина XVI в.).

Проторенессанс (от греч. протос — первый) стал предвестни­ком новой художественной культуры Италии. Возникший на осно­ве византийско-готических традиций и зарождающихся ренессансных особенностей, он сыграл большую роль в развитии всей евро­пейской культуры, подготовив дальнейшее наступление Ренессанса. Центрами Возрождения стали города Тосканы (север Италии), в которых власть сосредоточилась в руках крупных банкиров, купцов и ремесленников и которые рано приобрели политиче­скую самостоятельность. Это Флоренция, Милан, Сиена, Болонья, Пиза, Падуя. В некоторых из них сложились художественные школы: в Пизе, Сиене, Болонье и, конечно, основанной на бере­гах реки Арно Флоренции («Цветущая»), Ей принадлежало пер­венство среди других городов-государств, а её роль в развитии культуры Италии подобна роли Афин в Греции.

1. Карта Италии

Если романское и готическое искусство почти не оставило имён мастеров, то в эпоху Возрождения положение художника в обществе изменилось. Безличное цеховое мастерство уступило место индивидуальному творчеству Зачинателями Проторенессанса в области пластических искусств были: Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Джотто. Пытаясь преодолеть в своём творчестве средневековые традиции, они во многом опередили своё время.

Архитектура Проторенессанса

В Италии позднеантичная традиция почти не прерывалась, и готика не получила широкого развития (вспомним соборный комплекс в Пизе). Поэтому средневековая итальянская архитектура стала мостом, перекинутым от античности к Ренессансу. Хотя во Флоренции в этот период появлялись сооружения, овеянные новым духом, в целом, архитектура Проторенессанса не обладала ещё большой степенью единства. В конце XIII в. во Флоренции возводится главное храмовое сооружение, ставшее символом города, — собор Санта Мария дель Фьоре. Автором первого проекта фасада собора был Арнольфо ди Камбио (ок. 1240-1310). Затем работу над проектом продолжил Джотто, построивший стройную, гордую, пятиярусную кампанилу (колокольню) Флорентийского собора.

2. Собор Санта-Мария-дель-Фьоре. Слева – кампанила Джотто

На её стенах, расцвеченных полосками снежно-белого, зеленовато-чёрного, розового мрамора (так называемый инкрустационный стиль), выполнены рельефы. Арнольфо ди Камбио был также автором известных храмовых и гражданских монументальных построек во Флоренции того времени: здание синьории (городского совета), известное под названием Палаццо Веккьо, и церкви Санта Кроче:

Палаццо Веккьо – это тяжёлый куб с высо­кой башней, облицованный грубым камнем. На фасаде — окна разной величины, незаметный вход распо­ложен сбоку. Здание определяет облик старого городского центра, суровой громадой вторгаясь на пло­щадь. Могучий дворец служил сим­волом независимости Флоренции. Церковь Санта-Кроче, одна из самых больших во Флоренции, была начата Арнольфо ди Камбио в конце XIII в. (фасад со­здан в XIX в.). Храм отличается ши­рокими пролётами, единым свет­лым внутренним пространством, вместо сложных готических сводов в нём использовано деревянное по­толочное перекрытие.

Более нарядно ритмически органи­зованное палаццо Публико в Сиене (1298— 1310 гг.). Его фасад выходит на площадь дель Кампо. Подобная амфитеатру, расположенному на склоне холма, площадь как нельзя лучше приспособлена для созерца­ния различных зрелищ множеством народа. Площадь дель Кампо — пер­вый в Европе праздничный центр города, где устраивались турниры и театральные представления. До сих пор каждый год здесь происходят конные состязания между город­скими округами. Им предшествует красочный парад участников в сред­невековых костюмах.

3. Пьяцца-дель-Кампо в Сиене

Скульптура Проторенессанса

Ранее всего, пожалуй, искусство Проторенессанса проявилось в скульптуре. Она связана с именами Никколо Пизано и Джованни Пизано.

Никколо Пизано (1220/25-1278/84) был одним из родоначальников новых тенденций в скульптуре Проторенессанса, отказавшись от бестелесности готических фигур. Его творчество развивалось под влиянием античной традиции, он, несомненно, изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260 г.), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на её дальнейшее формирование. Кафедра из белого, розово-красного и тёмно-зелёного мрамора представляет собой целое архитектурное сооружение, легко обозримое со всех сторон. По средневековой традиции, на парапетах (стенках кафедры) представлены рельефы на сюжеты из жизни Христа, между ними располагаются фигуры пророков и аллегорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов. Никколо Пизано использовал здесь традиционные сюжеты и мотивы, однако кафедра принадлежит уже новой эпохе. Главное достижение ваятеля состоит в том, что он сумел придать формам объёмность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью. Образы Пизано статичны, величавы и бесстрастны. Богоматерь напоминает римскую богиню Юнону, аллегория Силы в виде обнажённого атлета — античного героя Геракла.

*Кафедра — в христианском храме возвышение, с которого произносятся проповеди.
**Баптистерий — в христианской архитектуре сооружение, в котором совершается таинство крещения.
***Пророк — в религии избранник Бога на земле, открывающий людям волю Бога и смысл прошедшего, настоящего и будущего.
****Аллегория — выражение какого-либо отвлечённого понятия в виде конкретного образа (например, правосудия в виде женщины с завязанными глазами и с весами в руках).

4. Кафедра баптистерия в Пизе. Никколо Пизано

Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный и как архитектор. Арнольфо ди Камбио (около 1245 — после 1310) тяготел к монументальной скульптуре, в которой использовал свои жизненные наблюдения. Одна из лучших работ мастера, выполненная им совместно с отцом и сыном Пизано, — фонтан на площади Перуджи. Украшенный многочисленными рельефами и статуями фонтан Фонте Маджоре, оконченный в 1278 г., стал гордостью города. Запрещалось поить из него животных, брать воду в бочонки из-под вина или в немытую посуду. Полулежащие фигуры, выполненные Арнольфо ди Камбио для фонтана, сохранились в городском музее во фрагментах. В них скульптор сумел передать всё богатство движений человеческого тела.
Особое место в истории итальянской скульптуры конца XIII — начала XIV в. принадлежит Джованни Пизано (1245 или 1250 — после 1314). Ученик и помощник Никколо Пизано, он стал гораздо более известным мастером, чем его знаменитый отец. В произведениях Джованни было много нового и необычного. Его произведениям присущи эмоциональность, неистощимая фантазия, страстность. Творчество Джованни Пизано — редкий пример искусства, которое опережало своё время и протягивало нити в будущее.  Его сложные многофигурные рельефы, украшающие кафедры в соборе Пизы и церкви Сант-Андреа в Пистойе, охвачены порывистым движением. Фигуры, утратив спокойствие образов Никколо Пизано, словно стремятся вырваться из камня. Их жесты естественны, лица выразительны. Особенно экспрессивны такие драматические сцены, как «Распятие» и «Избиение младенцев». Переплелись между собой многочисленные фигуры; матери, пытаясь спасти  своих детей, вступают в схватку с солдатами; даже львы, поддерживающие пизанскую кафедру, кажется, рычат от ярости.

5. “Избиение младенцев” – фрагмент рельефа кафедры в церкви Сант-Андреа в Пистое. Джованни Пизано

Живопись Проторенессанса

Центральной фигурой проторенессансной живописи, «светочем флорентийской славы» стал живописец, архитектор, скульптор Джотто ди Бондоне (1266/76-1337), художественные реформы которого намного опередили своё время. С его именем связан истинный перелом в итальянском искусстве. Не выходя из круга религиозных тем, Джотто изображал в библейских сценах жизнь земных людей с её радостями и страданиями. Он первым изобразил реальное трёхмерное пространство, построенное на перспективно-линейном основании; ввёл в живопись пластический объём фигур; изобразил в живописи интерьер. 

Самым известным его произведением стал цикл фресок (38 сцен из жизни Христа) в Капелле дель Арена в Падуе, названной так потому, что на её месте когда-то находилась арена цирка, которая принадлежала банкиру Энрико Скровеньи. Фрески, расположенные вдоль боковых стен, гармонично согласуются с архитектурным пространством капеллы. Основная идея фресок Джотто — «это идея высокой значимости нравственных ценностей. Данное положение получает наиболее полное раскрытие в трактовке центрального образа всего цикла — Христа. Христос выступает как носитель высокой идеи нравственного совершенства. Подобно античному герою проходит он с высоко поднятой головой через все тяжёлые испытания, со стоическим мужеством, а не с христианским смирением перенося ниспосланные на него несчастья». (В. Лазарев)

Самые известные фрески этого цикла – “Оплакивание Христа” (см. в учебнике) и “Поцелуй Иуды” (видео ниже).

Литература Проторенессанса

Современник и земляк Джотто — великий Данте Алигьери (1265-1321) был «последним поэтом Средневековья и вместе с тем первым поэтом Нового времени», создателем итальянского литературного языка и политическим деятелем. Героиней многих произведений Данте была молодая флорентийка Беатриче, которая рано умерла и любовь к которой он пронёс через всю жизнь. Данте были написаны лирические стихи, роман «Новая жизнь», научные трактаты на латинском языке, но его поэтическую славу составила «Комедия» — поэма, названная «Божественной» уже после его смерти восхищёнными почитателями. В ней Данте дал картину жизни современной ему Италии, выразил своё понимание мира и человека.

В основе сюжета «Божественной комедии» лежит распространённый в Средние века жанр «видений» или «хождений по мукам». Это рассказ о странствиях человека в загробном мире. Описанный Данте путь по трём царствам загробного мира представляет опыт морального совершенствования человека. Поэма включает три части: «Ад», «Чистилище» и «Рай», каждая из которых состоит из 33 песен. Данте проходит девять кругов ада и кручи чистилища, очищаясь от семи смертных грехов. По аду и чистилищу поэта сопровождает языческий поэт Вергилий, а по раю — его возлюбленная Беатриче.

«Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия — Франческо Петрарка (1304—1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313—1375), основоположник жанра новеллы (небольшого рассказа) в мировой литературе. 

Музыка Проторенессанса

Музыка Проторенессанса, как и другие искусства, испытывала влияние гуманизма и опиралась на античное наследие. В данном случае — это литературные и поэтические произведения Древней Греции и Древнего Рима, так как нотной записи в античности ещё не было. Так же как и в других искусствах, в музыке усиливалось светское начало и ослабевало церковное влияние, хотя полного разделения светской и культовой музыки не было. Как в литературе происходило обращение к национальному языку, так и в музыке — становление национальных музыкальные школ, исполнение песен на родном языке, а не на латыни.

Таким образом, la vita nuova — новая жизнь (по словал Данте), прочно вошла и в культуру Проторенессанса, став главной темой поэзии, скульптуры, живописи и, конечно же, музыки. Новое музыкальное искусство XIV в., возник шее в растущих североитальянских городах (его очагом была Флоренция), позднее получило название по трактату французского композитора и теоретика Филиппа де Витри ars nova — новое искусство. Музыка Треченто с его светскими жанрами (мадригал; баллада; качча; рондо; лауда) и инструментальным музицированием была связана с народными истоками, с бытовой песенной лирикой и отличалась свежестью, наивным реализмом и утончённостью. Музыка Арс Нова отличалась мажорным звучанием, естественностью и благозвучием. 

Мадригал (от лат. Matricale — песня на родном языке) — это итальянская двух- или трёхголосная, чаще лирическая песня из нескольких коротких куплетов с припевом. Этот музыкальный жанр связан с творчеством поэта Петрарки и композитором Ландино.

Качча (итал. Caccia — букв, «охота», «погоня») — это жанр светских вокальных (чаще двухголосных с инструментальным сопровождением) пьес, в которых изображались жанровые картинки охоты, а музыка иллюстрировала содержание слов. Музыкальная форма этого жанра использовала канон, в котором все голоса исполняют одну и ту же мелодию, но начинают её разновременно и получается как бы «преследование» одним голосом другого.

Баллада — танцевальная песня или сценка, исполнялась соло; с инструментальным аккомпанементом, а иногда и с хором.

Лауда — это лирическая или сатирическая многоголосная хоровая песня ремесленников духовно-назидательного характера.

6. Франческо Ландини (1325-1397). «Ecco la primavera» (баллада)

Ученик! Теперь ты имеешь представление о художественной культуре Предвозрождения – Проторенессансе. Ответь на следующие вопросы и вышли ответы учителю:

1. Какая страна стала форпостом новой европейской культуры и почему именно она? Какие ее города стали центрами зарождающегося Возрождения?

2. Перечисли основных представителей эпохи, отнеся их творчество к определенному искусству.

3. Проторенессанс – время появления первых палаццо. Что это такое и как его можно отличить от прочих построек (как он выглядел снаружи)?

г. Проторенессанс в Италии (1200–1400) | Учебные материалы по истории искусств

Предлагаемые временные рамки 1200–1400 приблизительно восходят к итало-византийскому периоду позднего средневековья и на пороге Возрождения. Включенный материал сосредоточен исключительно на Италии, в центре внимания художественного развития конкурирующих школ живописи в городах-государствах Флоренция и Сиена. Термин «прото-ренессанс» подразумевает, что этот период является предшественником или основанием того, что считается основным периодом итальянского Возрождения, который охватил примерно 1400–1600 гг.

За час и пятнадцать минут вы сможете покрыть следующее:

• Bonaventura Berlinghieri, Алтарь Святого Франциска , ок. 1235 (итало-византийский)
• Чимабуэ, Мадонна на троне с ангелами и пророками , ок. 1280–90
• Duccio, Maestà Altarpiece, Сиенский собор, ок. 1308–11
• Джотто, Мадонна на троне из церкви Оньиссанти, Флоренция, Италия, ок. 1305–10
• Джотто, внутренние фрески капеллы Скровеньи (Арена), Падуя, Италия, гр.1305–6
• Симоне Мартини и Липпо Мемми, Благовещение, Сиенский собор, 1333
• Амброджо Лоренцетти, Эффекты хорошего правительства в городе и в стране, Sala della Pace, Palazzo Pubblico, Сиена, Италия, 1338–9

Глоссарий:

Алтарь : расписанное или скульптурное панно, изображающее религиозный предмет, которое помещается над и позади алтаря в церкви. Два панно = диптих; три панно = триптих; несколько панелей = полиптих.

Chiaroscuro : дословно переводится как «светлый-темный». Использование света и тьмы для создания трехмерного моделирования.

Ракурс : использование перспективы, чтобы показать расширение объекта обратно в космос.

Fresco : итальянский означает «свежесть». Техника росписи, включающая нанесение на свежеуложенную известковую штукатурку перманентных известково-стойких пигментов, разведенных в воде. ( Buon fresco подразумевает нанесение пигмента на несколько слоев влажной штукатурки, а fresco secco относится к росписи непосредственно на высохшей известковой штукатурке.).

Позолота : очень тонкое окантованное сусальное золото, нанесенное с помощью клея на поверхность. Подчеркивает духовную и небесную тематику религиозных произведений.

Giornata (мн. Жорнате) : в переводе с итальянского означает «день», часть штукатурки, которую художник по фрескам рассчитывает закончить за один сеанс, чтобы гипс не высыхал перед добавлением пигмента.

Итало-византийский стиль ( maniera greca ) : использование византийского стиля в Италии, особенно распространенное после падения Константинополя в 1204 году, которое привело к миграции византийских художников в Италию.

Maestà : сцена, изображающая Деву Марию (Мадонну), сидящую на троне с младенцем Иисусом на коленях, часто в окружении ангелов, святых или пророков. Дословно переводится как «величество».

Tempera : краска, состоящая из пигмента, смешанного с яичным желтком, клеем или казеином.

Большая часть сохранившегося средневекового искусства имеет форму запрестольных образов или частей запрестольных образов, украшавших апсиды церквей, где проводились основные службы.Алтарь также можно найти в часовнях апсид вокруг церкви. Сейчас мы в основном видим знаменитые алтари в музеях, и часто это не позволяет нам увидеть, как они функционировали бы. Кроме того, многие панно в музеях были частью гораздо более крупных алтарей, настолько деконтекстуализированы и часто были нарисованы на обратной стороне, что не на всех музейных экспозициях можно увидеть. (Подробнее о запрестольных образах см .: http://www.nationalgallery.org.uk/paintings/learn-about-art/altarpieces-in-context ).

Преобладание запрестольных образов как основных художественных произведений средневекового периода началось в тринадцатом веке, когда ритуал мессы был перенесен перед алтарем. Священник стоял спиной к прихожанам, оставляя алтарный стол открытым для крупномасштабных религиозных образов. Увеличение количества запрестольных образов было результатом роста городов в Западной Европе. В то же время наблюдался рост институционализированной церкви в городах, а также все более богатых меценатов, которые часто заказывали алтари для частных часовен (Hartt 32–3).Типичными материалами, используемыми для создания алтарей на протяжении всего итальянского Возрождения, были темперные краски на деревянных панелях с сусальным золотом до появления масляных красок из Нидерландов в середине-конце пятнадцатого века.

Бонавентура Берлингьери Алтарь Святого Франциска (темпера на дереве с сусальным золотом, 5 ‘x 3’ x 6 ‘, ок. 1235 г.) является примером итало-византийского стиля , также известного как maniera greca или Греческий стиль, который доминировал в искусстве позднего средневековья в Италии.До конца XI века южная Италия занимала западную границу обширной Византийской империи. Даже после того, как эта область попала под норманнское правление примерно в 1071 году, Италия поддерживала прочные связи с Византией посредством торговли. Таким образом, в этом стиле искусства мы видим связь между двумя культурами. В этом примере центральный субъект святого Франциска идентифицируется по его одежде (типично для францисканского монашеского ордена, у него есть священническая одежда, связанная на талии веревкой), а также по отметкам на его руках и ногах, которые указывают получение им стигматов (знаков, соответствующих ранам Иисуса Христа, которые связаны с его откровениями о страстях Христовых, по сути, знак божественной проницательности или Божьего благословения).

Святой Франциск изображен аналогично византийским иконам, которые в сочетании со знаками стигматов выражают общее убеждение, что Святой Франциск был вторым Христом. Сцены сбоку показывают Святого Франциска и его чудодейственные исцеления, что еще больше связывает его с целительными силами Христа (Kleiner 405). Византийские образцы, такие как мозаика Юстиниана из Сан-Витале, Равенна (ок. 547) или распятие из церкви Успения, Дафни, Греция (ок. 1090–1100), предлагают два возможных сравнения для обсуждения приложения. византийского стиля к запрестольному панно.Картина Берлингьеро Мадонна с младенцем (темпера на дереве, золото, 31 5/8 x 21 1/8 дюйма, ок. 1228–1230) – еще один яркий пример итало-византийского стиля, который может привести к более прямым сравнениям с прото. – Алтарь эпохи Возрождения Чимабуэ, Дуччо и Джотто, учитывая, что он также показывает maestà .

Только в конце тринадцатого века в Италии художники начали (заново) исследовать физические реальности фигуры в пространстве. Флорентийский художник Чимабуэ (Ченни ди Пепо), учитель Джотто ди Бондоне, часто считается одним из первых художников, отошедших от итало-византийского стиля к большему натурализму, примером чего является его Мадонна на троне с ангелами. и Пророки (темпера и сусальное золото на дереве, 12 футов 7 дюймов x 7 футов 4 дюйма, c.1280–90). В этом примере есть четыре пророка, которые можно увидеть в нижней части картины, их можно определить по свиткам, которые они держат. Хотя есть много общего с итало-византийскими прецедентами, которые можно обсудить, здесь Чимабуэ развил новое ощущение тела как трехмерного, более естественного в пространстве.

Архитектура трона привносит ощущение глубины и демонстрирует раннюю попытку взглянуть на перспективу. Однако перспектива далека от совершенства, поскольку верхняя половина трона кажется фронтальной, а нижние арки, кажется, наклонены вверх, оставляя в значительной степени неоднозначное ощущение пространства.Перекрытие ангелов и пророков, сидящих в архитектуре престола, также намекает на ощущение глубины. Эта картина изначально создавалась как монументальный запрестольный образ и имеет высоту более двенадцати футов, что является новым стандартом в живописи (Stokstad, Art History, 4 ^th ed. , Vol. 1, 535).

Дуччо ди Буонинсенья был еще одной ключевой фигурой в развитии натурализма в период проторенессанса, работая в конкурирующем городе-государстве Сиена. Его Богородица с младенцем на троне со святыми (ок.1308–1111) была центральной панелью его Maestà Altarpiece , заказанного для Сиенского собора. На переднем плане можно увидеть четырех святых покровителей Сиены, преклонивших колени. Позднее алтарь разобрали, и сейчас его можно увидеть только фрагментарно. Как и в картине « maestà » Чимабуэ, картина Дуччо свидетельствует о более тщательном моделировании тел, которые можно увидеть выступающими из-под одежды. Он также использовал трон, чтобы создать более реалистичное ощущение архитектурного пространства, однако его истинное новаторство можно найти в его отходе от традиционной фронтальности поз, вместо этого предпочитая изящные и индивидуальные позы, характерные для каждой фигуры.

Эта вариация поз, образцовая текучесть драпировки и драгоценные цвета определяют стиль сиенской живописи. На задней стороне Maestà были изображения из жизни Христа и Его Страстей, в том числе Воскрешение Лазаря (17 1/8 дюйма x 18 1/4 дюйма). Воскрешение Лазаря , вероятно, было последней сценой в цикле, представляющей доказательство божественности Христа, когда он воскресил Лазаря из мертвых, прообразуя собственное воскресение.Сцена снова примечательна динамичной драпировкой, позами и трехмерностью фигур, а также более натуралистической обстановкой. (См. Видео SmartHistory на задней панели Maestà ).

Несмотря на выдающиеся достижения Чимабуэ и Дуччо, Джотто ди Бондоне, ученик Чимабуэ, часто считается первым художником эпохи Возрождения. Мастерская Мадонна на троне Джотто из церкви Оньиссанти, Флоренция, все еще работающая в рамках традиционных алтарей (темпера и сусальное золото на дереве, 10 ’8” x 6 ’8” , c.1305–1010), изображает фигуру Богородицы с новым весом и натурализмом, который еще не был замечен, раскрывая форму ее груди под белой драпировкой ее одежды. Она изображена в более натуралистической позе, держащей ногу младенца Иисуса, который, кажется, сидит у нее на коленях, – эффект, не полностью достигнутый в алтаре Чимабуэ. Фигуры, окружающие Деву, также проявляют заботу об изображении трехмерных форм, моделируя их из света и тени. Джотто также использует ракурс, очевидный в ангелах спереди, создавая более реалистичное ощущение их тел в пространстве.

Созданные несколько ранее фрески из капеллы Скровеньи (Арена) , Падуя (около 1305–1306 гг.), Демонстрируют степень новаторского стиля Джотто, возможно, имея большую свободу для экспериментов с частным заказом, чем ограничения. церковного запрестольного образа. Фрески покрывают интерьер частной часовни, выполненной по заказу Энрико Скровеньи. Часовня и ее фрески должны были помочь ему занять место на небесах, но также и специально искупить грехи его семьи, занимавшейся ростовщичеством или ссудой, что считалось грехом.Некоторые фрески прямо говорят об этом, например, сцена, где Иуда получает деньги за свое предательство Христа.

Скровеньи также можно увидеть на фреске Страшный суд , где изображена символическая модель часовни Арены Деве Марии, Деве Милосердия и Деве Благовещению, чтобы проиллюстрировать его благочестие при создании часовни.

Зал арены со сводчатым сводом украшен отдельными сценами, каждая панель украшена декоративными рамками trompe-l’oeil .Работая примерно в то же время, что и Дуччо, фрески Arena Chapel представляют собой совершенно другой подход к человеческой фигуре и пространству. В частности, золотой фон сцен был устранен в пользу виньеток на открытом воздухе и тщательно продуманных архитектурных декораций, которые позволяют создать более иллюзионистское ощущение пространства. Каждая фигура, созданная с помощью светотени, имеет заметный вес. Джотто снова использует технику ракурса, чтобы создать ощущение тел в космосе, например, как это видно с летающими ангелами в Lamentation .Фрески Джотто также совершенно по-новому подчеркивают гуманизм и эмоции его персонажей, демонстрируя большее желание представить естественный, земной мир и опыт людей в нем. Чтобы узнать больше о Часовне Арены, просмотрите четыре видеоролика SmartHistory по этой теме.

Хотя Джотто был пионером многих иллюзионистских техник, которые стали определять инновации эпохи Возрождения, религиозные комиссии по-прежнему полагались на более старые, более средневековые традиции. Ученица Дуччо, Симоне Мартини, добилась большого успеха, доказав постоянный спрос на более традиционные алтари, а также продемонстрировав привлекательность элегантного сиенского стиля и уникального подхода Мартини к фигурации. Благовещение (1333) было создано его последователем Симоне Мартини для алтаря Сант-Ансано, также в соборе Сиены. На позолоченном фоне высечены слова ангела Гавриила, Ave gratia plena dominus tecum , Луки 1:28: «Радуйся, благодатная, Господь с тобою». (перевод из Стокстада, т. 1, 545). Более традиционный изящный алтарь отличается лирическим использованием линий и цветов, а также театральностью повествования.

В то время как религиозные комиссии часто оставались привязанными к традициям, растущее гражданское покровительство продолжало стимулировать эксперименты с техникой и создавало спрос на новые, светские изображения. Например, цикл аллегорических фресок Амброджо Лоренцетти «Эффекты хорошего правительства в городе и в стране » был заказан правительством Сиены для Сала делла Паче в Палаццо Пубблико, Сиена, где встретились девять правителей города. . Фрески служили напоминанием правителям о том, что они должны справедливо служить гражданам, изображая сопряженные эффекты хорошего и плохого управления для города и страны.Фреска Хорошее правительство возглавляет фигура Справедливости, ведомая Мудростью, которая парит над головой, в то время как Плохое правительство возглавляет демонический тиран, окруженный пороками, а не добродетелями, которые окружают Справедливость. Внизу изображения Bad Government Джастис кажется связанным и побежденным.

Влияние хорошего правительства на город и страну проиллюстрировано на панорамных изображениях Мирного города и Мирной страны .На левой стороне стены фрески Мирный город олицетворяет стабильность и богатство, которые дает хорошее управление. Во многих отношениях фреска весьма натуралистична, но в ней используются меняющиеся точки обзора, чтобы показать оживленную активность в городе. Человеческие фигуры изображены неестественно большими, подобным же образом подчеркивая разнообразие повседневных дел, поддерживающих счастливую и процветающую городскую культуру. Справа от городских стен изображена Мирная страна , аналогичным образом прославляющая щедрость и гармонию, обеспечиваемые хорошим управлением.

Сельская местность не только очень натуралистична, демонстрируя идиллический сиенский пейзаж, но и является одной из первых и самых амбициозных пейзажных картин, созданных в период средневековья. В левом верхнем углу пейзажа в небе парит аллегорическая фигура Службы безопасности со свитком, приглашающим посетителей без страха войти. Внизу, выходя из города, изображены идущие на охоту аристократы. Сельская местность показана в разное время года, с изображением различных сельскохозяйственных работ, от подготовки полей до сбора урожая.

Вскоре после завершения фресок Палаццо Пубблико в 1348 году в Италию обрушилась Черная чума, также известная как Черная смерть. Болезнь уничтожила почти половину населения, положив конец периоду прото-ренессанса. Годы опустошения также привели к изменениям: после чумы возникли новые социальные и экономические структуры, которые послужили основой для быстрого развития эпохи Возрождения в Италии после 1400 года.

Художников по направлению: Прото Возрождение

Художественное движение

Культурные и художественные события Италии в период с 1400 по 1499 годы собирательно именуются Quattrocento (итальянское произношение: [ˌkwattroˈtʃɛnto]) от итальянского для числа 400, в свою очередь от millequattrocento, что в Италии означает 1400 год. Quattrocento охватывает художественные стили позднего средневековья (в первую очередь интернациональную готику) и раннего Возрождения.

После упадка Западной Римской империи в 476 году экономический беспорядок и нарушение торговли распространились по Европе. Это было начало раннего средневековья, которое длилось примерно до 11 века, когда торговля поднялась, население начало расти, и папство восстановило свою власть.

В период позднего средневековья политическая структура европейского континента медленно эволюционировала из небольших, крайне нестабильных феодальных владений в более крупные национальные государства, управляемые монархиями, тем самым обеспечивая большую стабильность.В Италии возникли городские центры, заселенные купцами и торговцами, способными защитить себя. Деньги заменили землю в качестве средства обмена, и все большее число крепостных становились вольноотпущенниками. Изменения в средневековой Италии и упадок феодализма проложили путь к социальным, культурным и экономическим изменениям.

Quattrocento рассматривается как переходный период от средневековья к эпохе Возрождения, особенно в городах Рим, Флоренция, Милан, Венеция и Неаполь.

Искусство кватроченто лишилось декоративной мозаики, обычно связанной с византийским искусством, наряду с христианскими и готическими средствами массовой информации и стилями в витражах, фресках, освещенных рукописях и скульптуре. Вместо этого художники и скульпторы Quattrocento использовали более классические формы, разработанные римскими и греческими скульпторами.

Поскольку Quattrocento частично совпадает с движением Возрождения, было бы неверно сказать, что конкретный художник был Quattrocento или Renaissance.Художники того времени, вероятно, не идентифицировали бы себя как члены движения.

Также см. Список 27 выдающихся художников 15 века, составленный одновременно Джованни Санти, отцом Рафаэля Санцио, как часть стихотворения для герцога Урбино.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Искусство и архитектура раннего Возрождения – История

Начало раннего Возрождения

Проторенессанс 1300-х годов

Термин «проторенессанс» относится к художникам 14 ^-го века, которые разработали натуралистический подход, который реализовался в Раннее Возрождение.Ранний историк искусства и художник Джорджо Вазари чувствовал, что в средние века художники Чимабуэ и Джотто поддерживали эстетические принципы классического искусства своими произведениями, которые заложили основу для следующего Возрождения.

Как и большинство художников своего времени, Ченна ди Пеппи, известный как Чимабуэ, создавал преимущественно религиозные произведения. Византийская иконография и стилизация доминировали в эпоху, изображая человеческие фигуры в двухмерной форме на плоских живописных плоскостях. И все же, напротив, в работах Чимабуэ подчеркиваются натуралистические элементы, как, например, в его Santa Croce Crucifixion (1287–1288).По-прежнему находясь в византийской иконографии, работа новаторски опиралась на анатомические наблюдения, чтобы создать ощущение физических и эмоциональных страданий Христа.

Художники этого периода получали образование в мастерских мастеров, а самым известным помощником Чимабуэ был Джотто де Бендоне, известный просто как Джотто. Популярный анекдот повествует о том, как Чимабуэ обнаружил Джотто в детстве, когда он рисовал овец своей семьи и наблюдал за ними.

Джотто был пионером, и его важность была подтверждена тем, что в 1334 году он был назван Магнусом Магистром (Великим магистром) Флоренции.Отказавшись от византийской стилизации, фрески Капеллы Скровеньи (около 1303-10 гг.) Джотто в Падуе стали прорывом благодаря своей скульптурной фигуративной обработке. Изображенные натуралистически, его фигуры начали приобретать трехмерность, населяя реальное пространство и передавая настоящие эмоции. Это был радикальный отход от византийских стилей, которые все еще практиковались многими из его современников, и он оказал исключительное влияние не только на его современников, таких как Таддео Гадди, Бернардо Дадди и знаменитый Масолино, но и на художников раннего Возрождения, включая Фра. Анджелико, Пьеро делла Франческа и Мазаччо.

Определение термина: Возрождение

Джорджи Вазари в своей книге Жизни художников (1550) впервые ввел термин rinascita , означающий возрождение. Тем не менее, полученный из Франции термин «ренессанс» стал широко использоваться для обозначения исторического периода только позже, в середине 19-го, ^-го, -го века, после работы историка Жюля Мишле « Histoire de France » (1855). Впоследствии модель периода Якоба Буркхардта, начиная с Джотто и заканчивая Микеланджело, определенная в его Цивилизация Возрождения в Италии (1860), получила широкое распространение.

Современная наука пересмотрела эти определения, так как в 1980-х историк Рэндольф Старн описал общее Возрождение как «… сеть разнообразных, иногда сходящихся, иногда конфликтующих культур, а не единую, привязанную ко времени культуру» и Стивен Гринблатт определил его как «ранний современный», описывая период как переход от средневековья.

Раннее Возрождение, основанное на гуманизме и классическом римском и греческом искусстве и архитектуре, возглавлялось Брунеллески, чьи работы в архитектуре и открытие линейной перспективы повлияли на эпоху, а также новаторские работы Донателло в скульптуре и Мазаччо в живописи. .Вместе эти трое были названы «триумвиратом раннего Возрождения» с центром во Флорентийской республике, поскольку растущая мощь Флоренции и покровительство богатых семей, таких как Медичи, создали благоприятную среду для движения.

Республика Флоренция и Медичи

В период раннего Возрождения процветала республика Флоренция, получившая название «Новые Афины», что указывает на то, что город-государство считал себя наследником классической традиции.Городом правили купцы и благородные семьи, в первую очередь семья Медичи, которая стала правящей династией, просуществовавшей до 1737 года. Семья Медичи нажила свое состояние в основном на торговле текстилем, управляемой Арте делла Лана, гильдией шерсти. во Флоренции, а в 1377 году Джованни ди Биччи ди Медичи основал банк Медичи во Флоренции. Его сын, Козимо ди Медичи, никогда не занимал эту должность, но использовал свое богатство и политические союзы, чтобы фактически стать правителем Флоренции. Он был исключительным покровителем искусства, тратя значительную часть своего состояния на заказ произведений искусства, сбор классических текстов и поддержку культурных проектов, таких как основание первой публичной библиотеки.Как он сказал: «Все эти вещи доставили мне величайшее удовлетворение и удовлетворение, потому что они предназначены не только для прославления Бога, но также и для моей памяти. В течение пятидесяти лет я ничего не делал, кроме как зарабатывал деньги и тратил деньги; и стало ясно, что трата денег доставляет мне большее удовольствие, чем их зарабатывание ». Впоследствии частное покровительство богатых семей стало важным двигателем художественного творчества, позволившим предметы и методы лечения, которые были запрещены для религиозных и гражданских комиссий.

Конкурс баптистерий

Утверждалось, что раннее Возрождение началось в 1401 году с конкурса, проведенного городом Флоренция на присуждение комиссии за новые бронзовые двери для баптистерия Святого Иоанна, и последствиями вражды, которая возникла в результате этой вражды. последовал. Двери будут содержать панели, представляющие сцены из Ветхого Завета, и семь скульпторов были выбраны для создания единой панели, изображающей жертвоприношение Исаака для конкурса. Сохранились только работы Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески, и обе работы отражают гуманистический и натуралистический стиль эпохи Возрождения.Восхищаясь обеими работами, судьи признали связь Гиберти и Брунеллески и предложили двум художникам сотрудничать над проектом. Однако, уязвленный потерей, Брунеллески отказался, и Гиберти в одиночку взялся за проект, который сделал его знаменитым. Тем не менее, именно последующие работы Брунеллески стали основой раннего Возрождения, поскольку, горько разочаровавшись, когда его дизайн не выиграл конкурс, он отказался от скульптуры и обратил свое внимание на архитектуру.

Филиппо Брунеллески

Путь, который привел к открытию Брунеллески линейной перспективы, в которой относительный размер, форма и положение объектов определяются нарисованными или воображаемыми линиями, сходящимися в точке на горизонте, начался после его сокрушительного поражения для проект Баптистерий и радикально изменит искусство и архитектуру.Он продал свою небольшую семейную ферму и на вырученные деньги отправился в добровольное изгнание в Рим в сопровождении своего друга, художника Донателло. В течение нескольких лет, часто разбивая палатки в руинах, пока местные жители не приняли их за охотников за сокровищами, два художника измеряли здания, делали подробные записи и исследовали принципы классического дизайна. Отказавшись от скульптуры для архитектуры, Брунеллески разработал теорию и практику перспективы и математические принципы дизайна.

По возвращении во Флоренцию он принял участие в конкурсе 1418 года, организованном гильдией торговцев шерстью, на строительство купола для собора.Несколько предыдущих архитекторов работали над собором, в том числе Джотто, который спроектировал колокольню в 1330-х годах, и к 1418 году здание было почти завершено, за исключением зияющей дыры, ожидавшей купола, которую никто не знал, как построить. И снова основным конкурентом Брунеллески был Гиберти, который, будучи ведущим художником того времени, имел небольшой архитектурный опыт. Конкурс требовал, чтобы каждый архитектор попытался поставить яйцо вертикально на мраморную поверхность.

Решение Брунеллески стало легендарным, как писал Вазари, «ударив одним концом по плоскому куску мрамора, [он] заставил его встать вертикально… Архитекторы возразили, что они могли поступить так же; но Филиппо, смеясь, ответил, что они могли бы сделать купол, если бы увидели его дизайн. «На самом деле, Брунеллески уже создал технически совершенную модель купола. Чтобы создать свой дизайн, он провел дальнейшие эксперименты в перспективе. и создал несколько устройств с использованием зеркал и раскрашенных панелей. Он поделился своими открытиями только с такими друзьями, как Донателло и Мазаччо, поскольку, по его мнению, «раскрывать слишком много своих намерений и достижений – значит.… отказаться от плодов своей изобретательности ». Соответственно, именно Леон Баттиста Альберти написал ранние окончательные работы о перспективе и технике, хотя он признал лидерство Брунеллески во всех искусствах, посвятив ему На живописи (1435).

Донателло

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный просто как Донателло, также участвовал в конкурсе на открытие дверей баптистерия, хотя в то время ему было всего 15 лет, и он тренировался в мастерской Гиберти. Его тесная дружба с Брунеллески началась примерно в то же время.У них было много общего: оба скульптора сначала прошли обучение на ювелиров, и они должны были оставаться близкими на протяжении всей своей жизни, которую современники описывали как «неразлучные». В Риме Донателло изучал римскую скульптуру и процесс литья по выплавляемым моделям, который использовался для создания классической бронзы. Вернувшись во Флоренцию, его работы стали первыми произведениями искусства, в которых использовалась линейная перспектива, как это видно на его мраморе Святой Георгий и Дракон (ок. 1416 г.), где он использовал перспективу и впервые применил relie schiacciato , новый стиль мелкой резьбы, чтобы создать атмосферный эффект.Его бронзовый рельеф Пир Ирода (1423-1427) сочетал в себе эмоциональную выразительность и классическую форму с системой перспективы, основанной на ортогональных диагоналях и поперечинах, чтобы привлечь внимание зрителя к пустому пространству между двумя группами на обоих концах стола. создавая таким образом чувство напряжения.

Мазаччо

Мазаччо, художник, чья карьера продлилась всего семь лет, потому что он умер от чумы в возрасте 27 лет, также был назван «отцом Возрождения».«В его работах использовалась линейная перспектива и натуралистические образные методы, которые революционизировали живопись. Мало что известно о его жизни или его художественном образовании, хотя к 1426 году он дружил с Донателло и Брунеллески. Работа Брунеллески над перспективой повлияла на Мазаччо, поскольку он консультировался более старый художник на его The Holy Trinity (1427-1428), который считается одним из самых ранних примеров перспективы в живописи. Новаторские разработки Мазаччо включают использование одноточечной перспективы, подход trompe l’oeil , натуралистический моделирование человеческой фигуры и единый постоянный источник света, отбрасывающий точные тени.Он также первым использовал светотень , создавая таким образом иллюзию глубины и изображая свои фигуры с эмоциональной выразительностью, передавая их индивидуальность. Как писал историк искусства Марк Майкл Астарита Мазаччо, «отличительная черта oeuvre d’art олицетворяла отход от мрачной готики … и постепенный переход к картинам, которые олицетворяли возрождение или ренессанс классического искусства и архитектуры».

Леон Баттиста Альберти

Леон Баттиста Альберти был самым важным интеллектуальным теоретиком раннего Возрождения благодаря своим трём томам: De Statua ( On Sculpture ) (1435), Della Pittura ( On Painting ) (1435) и De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) (1452). На скульптуре ознаменовал первое использование терминов аддитивная скульптура, в которой материал добавляется для создания произведения, и субтрактивная скульптура, в которой материал вырезается или удаляется, чтобы показать произведение, при этом подчеркивая натуралистичность и классические пропорции.

Его О живописи , состоящий из трех томов, описывал живопись «как проекцию линий и цветов на поверхность». Он систематизировал одноточечную линейную перспективу Брунеллески, а также концепции композиции, пропорции и использования design or line и colorito , раскраски, для создания живописной гармонии.Он опирался на современные практики таких художников, как Донателло, Гиберти, Лука делла Роббиа и Мазаччо, но полагал их в рамках теоретической основы, опирающейся на гуманистическую литературу и классические произведения римлян и греков.

Раннее Возрождение: концепции, стили и тенденции

Ренессанс Гуманизм

Философским движением Возрождения был гуманизм, убеждение, которое поместило человеческую жизнь в центр вселенной. Широко распространенное культурное движение, начавшееся в 14 ^-х веках, Италия выступала за изучение и изучение гуманитарных наук, как это видно в произведениях классического Рима и Греции.Многие гуманисты были священниками или церковными руководителями, которые чувствовали, что энтузиазм по отношению к науке и ее рациональным открытиям, интерес к геометрии и математике, понимание классической этики и логики, а также эстетическая оценка искусства и архитектуры классического периода обогатят христианское понимание. . В результате возникнет новое сложное общество, обширное по масштабам и знаниям.

Ранним лидером гуманизма был великий поэт 14 ^-го века Франческо Петрарка, которого по-английски называли Петраркой, которого называли «основателем гуманизма», а также «основателем эпохи Возрождения».”Известный ученый и собиратель классических текстов, он заново открыл для себя произведения классических авторов, таких как римский Цицерон. Его поэзия была революционной в том смысле, что он писал на итальянском языке, а не на латыни средневековой Европы, период, для которого он создал термин «темные века». Возрождение классических текстов стало ключом к гуманистической мысли. Поджио Браччолини, результаты которого включали повторное открытие Лукреция De rerum natura ( О природе вещей ) в 1417 году, был папским советником, работавшим под руководством семь пап в его жизни.Во Флоренции Никколо де Никколи стал лидером гуманистической мысли, прежде всего благодаря своей обширной библиотеке латинских и греческих классических текстов, которые стали заметной пищей для флорентийской интеллектуальной жизни. Он был тесно связан с Козимо ди Медичи.

Архитектура

Здания и конструкции Брунеллески широко использовались более поздними архитекторами. Его инновации включали использование круглых колонн с классическими капителями, круговых арок и сегментированных куполов, построенных с помощью математических соотношений.Его ранняя Ospedale degli Innocenti (1419–1427), или «Больница невинных», представляла собой декоративный мотив, сочетающий белые каменные стены с серыми архитектурными элементами, ставший известным как стиль pietra serena , или безмятежный камень. Его проекты для флорентийских церквей Сан-Лоренцо (ок. 1425 г.) и Санто-Спирито (ок. 1428 г.) положили начало использованию модульной конструкции и церкви в форме латинского креста. Для Санта-Мария-дельи-Анджели (1434 г.) он первым спроектировал централизованно планируемую церковь, получившую широкое распространение в эпоху Возрождения.

Другими известными архитекторами были Леон Баттиста Альберти и Микелоццо ди Бартоломео Микелоцци. Козимо ди Медичи поручил Микелоцци спроектировать свой дворец, Палаццо Медичи (1444–1484) во Флоренции. Микелоцци использовал трехстороннее разделение, чтобы придать массивному зданию вертикальный лифт и отразить классическое чувство гармонии и порядка. Получившийся в результате стиль стал известен как стиль палаццо и продолжал оставаться популярным в 19 и 20 веках.

В 1440-х годах Альберти начал активно заниматься архитектурой.Его De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) был получен от Брунеллески и De Architectura римского архитектора Витрувия, которые выступали за пропорциональную гармонию, основанную на золотой середине. В 1450 году он предпринял свой первый архитектурный проект, перепроектировав церковь Сан-Франческо в Римини, а затем получил заказ на разработку и завершение фасада Санта-Мария-Новелла (1456-1470) во Флоренции. Как архитектора Альберти называют «архитектором-призраком», предпочитающим сосредоточиться на дизайне и редко занимающимся практическими вопросами строительства.Два из его самых известных мест, церковь Сан-Себастьяно в Мантуе и церковь Санта-Андреа во Флоренции, были завершены после его смерти, и его проекты, и особенно его письмо, повлияли на последующую архитектуру.

Живопись

Многие великие произведения Раннего Возрождения были религиозными фресками, начиная с фресок Мазаччо в капелле Бранкаччи, которые изучались последующими мастерами эпохи Возрождения. Многие из известных мастеров фрески, в том числе Фра Липпи, Фра Анджелико, Пьерро делла Франческа, Алессандро Боттичелли и Андреа Мантенья, сосредоточились на религиозной тематике, используя при этом новые техники перспективы, ракурса, флорентийский акцент на плавной линии, натуралистический и анатомическая деталь, и trompe l’oeil .

Также была представлена ​​живопись маслом, как видно из картины Антонелло да Мессины Sibiu Crucifixion (1454-1455). Другие художники, такие как Пьерро делла Франческа в его «Бичевание Христа » (ок. 1455), экспериментально сочетали масло с темперой на панелях. Некоторые художники привнесли новаторский акцент на цвет и текстуру в темперную живопись, что видно в пастельно-розовой и зеленой палитре картины Доменико Венециано «Алтарь Святой Люси» (1445–1447), созданной под влиянием венецианской школы.

Также была представлена ​​новая тематика. На заказанной Андреа дель Кастаньо фреске «Цикл знаменитых мужчин и женщин » (ок. 1449–51) изображены портреты трех тосканских поэтов, трех знаменитых женщин античности и трех военачальников из Флоренции. Его обращение было также новым, поскольку он рисовал их в архитектурных нишах, чтобы создать иллюзию скульптуры. Портреты знатных семей пользовались большим спросом, как видно из « портретов герцога и герцогини Урбино » (1465–1472) Пьеро делла Франческа, в то время как Доменико Гирландайо первым создал портрет, сосредоточив внимание на глубоко индивидуализированных, но обычных людях, как видно из его портрета . старика с внуком (1490).

Художник Паоло Уччелло первым изобразил батальную живопись в своей знаменитой картине « Битва при Романо » (1435–1460), изображающей битву 1432 года между Флоренцией и Сиеной. Уччелло был известным математиком, создавшим своеобразный стиль, сочетающий новаторское использование перспективы с элементами поздней готики. Его погребальный памятник (или Конный памятник ) сэру Джону Хоквуду (1436), как и многие другие произведения, представлял собой фреску, которая казалась почти скульптурной.

Скульптура

Самыми известными скульпторами раннего Возрождения были Донателло, Гиберти, а позднее Андреа дель Верроккьо. Натурализм и классические пропорции римской и греческой скульптуры вдохновляли их работы, хотя и интерпретировались через акцент эпохи на индивидуальности и гуманизме. Самые известные скульптуры этого периода были созданы с использованием процесса утраченного воска, также возрожденного с римской эпохи.

Гиберти должен был спроектировать два набора дверей для баптистерия во Флоренции, из которых второй, изображающий десять панелей сцен из Ветхого Завета, завершенный в 1452 году, стал самым известным.В них Гиберти усовершенствовал использование перспективы и фигуративного моделирования, чтобы создать работы, которые восхищали как своей классической красотой, так и эмоциональной индивидуальностью. Микеланджело назвал их «Вратами рая», так с тех пор называются двери высотой 17 футов, позолоченные золотом.

Донателло Gattamelata (1453), произведение реалистичного величия, было создано под влиянием бронзовой конной статуи Марка Аврелия (ок. 173–76 н. Э.). Однако версия Донателло оживила этот предмет, подчеркнув индивидуальность Аврелия, анатомическую мускулатуру лошади и включив такие символические элементы, как копыто лошади, опирающееся на пушечное ядро.Ссылаясь на военную мощь Венеции, он стал характерным отражением эпохи Возрождения.

Донателло считался величайшим скульптором раннего Возрождения, отчасти из-за его разнообразия сюжетов и его способности к индивидуалистическому выражению каждого из них. Это можно увидеть в его новаторски эротизированной статуе Давида или в его мощно выразительной более поздней работе Кающаяся Магдалина (1453-1455). На Андреа дель Верроккьо заметно повлияла работа Донателло, как видно на его собственной бронзе Давид ( 1473-1475) и его Конная статуя Бартоломео Коллеони (1480-1488).

Позднее развитие – после раннего Возрождения

Влияние раннего Возрождения невозможно переоценить, поскольку его инновации не закончились в конце 1400-х годов, а распространились из Флоренции по Италии и Европе. Работы художников раннего Возрождения легли в основу последующих периодов Высокого Возрождения, Североевропейского Возрождения, Маньеризма и Барокко. Сама Флоренция продолжала оставаться вдохновляющей художественной средой для следующего поколения, поскольку там жили и учились Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.На Микеланджело особенно повлияли Мазаччо, его учитель Гирландайо и его обучение в мастерских семьи Медичи. Леонардо да Винчи обучал Андреа дель Верроккьо. Фреска Мазаччо «Изгнание из Эдемского сада , 1426–1427» повлияла на него, и его исследования картины Альберти «« О живописи »(1435), а также исследование перспективы Пьерро дель Франческа повлияли на его мысли и работу.

Рисунки Альберти, Микелоцци, Брунеллески и потолочная роспись trompe l’oeil Мантенья должны были придать форму различным архитектурным стилям и дизайну XIX и XX веков.Картины Боттичелли, заново открытые в 19, ^-х, веках, оказали заметное влияние на Братство прерафаэлитов и впоследствии стали одними из самых популярных и художественно переосмысленных произведений 20, ^-го, века.

Концепция гуманизма, которая так сильно определила период раннего Возрождения, остается важной моделью для процветающего сообщества и вневременным уроком о преимуществах интеллектуальных и творческих занятий, основанных на глубоких знаниях в области искусства и науки в конкретном обществе.

Прото-ренессанс