Архитектура 17 века в европе: АРХИТЕКТУРА ХVII ВЕКА. История искусства XVII века

Европейская культура XVII-XVIIIвв.

XVII век – одна из самых ярких и блистательных страниц в истории мировой художественной культуры. Это время, когда на смену идеологии гуманизма и веры в безграничные возможности человека пришло ощущение драматических противоречий жизни. С одной стороны, происходит революционный переворот в естествознании, формируется новая картина мира, в искусстве появляются новые стили, с другой – преобладают политический консерватизм, пессимистические взгляды на общество и человека.

Эпоху XVII века в культуре и в искусстве принято называть эпохой барокко. Формирование новой европейской культуры было связано со стремительно меняющейся «картиной мира» и кризисом идеалов итальянского Возрождения. Для духовной жизни общества XVII века большое значение имели Великие географические открытия и естественно-научные открытия. Человек начал остро ощущать зыбкость и неустойчивость своего положения, противоречия между иллюзией и реальностью. Новое мировосприятие по-особенному преломилось в художественной культуре: все необычное, неясное, призрачное стало казаться красивым, привлекательным, а ясное и простое – скучным и неинтересным.

Эта новая эстетика заметно потеснила прежние ренессансные принципы подражания природе, ясности, уравновешенности.

Так возник новый стиль – барокко. Барокко (итал.  barocco  — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca  — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком») – жаргонное словечко португальских моряков для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы стало использоваться в значении «смягчить, растворить контур, сделать форму более мягкой, живописной».

Для барочной архитектуры была характерна пышная декоративная отделка со множеством деталей, многоцветная лепка, обилие позолоты, резьбы, скульптуры, живописные плафоны, создающие иллюзию уходящих вверх разверзшихся сводов. Это время господства кривых, причудливо изогнутых линий, перетекающих друг в друга, торжественных фасадов зданий и величественных архитектурных ансамблей. В живописи доминирует парадный портрет, свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии.

Начало итальянского барокко связано со строительством римской церкви Иль Джезу (1575 г.), фасад которого был оформлен Джакомо делла Порта. Она в буквальном смысле «создала эпоху», став выражением стилевых тенденций времени: традиционное деление на 2 этажа, полуколонны, ниши, статуи и неизбежные волюты (завитки) на углах. Первой по времени и самой крупной дворцовой постройкой той эпохи был палаццо Квиринале, летняя резиденция римских пап, возведенный на вершине Квиринальского холма.

Наиболее яркое выражение в скульптуре это течение находит в творчестве Лоренцо Бернини . Его скульптура «Давид» – изображает момент стремительного движения, порыва навстречу гиганту Голиафу, переход одного движения в другое. Бернини не останавливается перед искажением лица, передачей болезненного или блаженного выражения. В скульптуре «Аполлон и Дафна» Лоренцо Бернини запечатлел в летящем движении момент превращения юной беззащитной Дафны, настигнутой легконогим Аполлоном, в лавр.

Блестящее мастерство Бернини проявилось в строительстве знаменитых римских фонтанов – «Фонтан Тритона» и «Фонтан четырех рек».

С именем Бернини связан очередной этап преобразований собора Святого Петра в Риме: он оформил площадь перед собором, прямо от краев фасада далеко вперед протянулись крытые галереи-коридоры. Архитектор создал 2 площади – большую эллиптическую, обрамленную колоннами, и непосредственно примыкающую к ней площадь в форме трапеции, ограниченную с противоположной стороны главным фасадом собора. Одновременно пространство перед собором являлось и городской площадью, оформленной обелиском в центре овала и двумя фонтанами.

На первый план в изобразительном искусстве и прежде всего в живописи выходят Нидерланды. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) подобно великим фигурам Возрождения, проявил себя в разных сферах деятельности: он был дипломатом, придворным, удостоился дворянского звания, дружил и сотрудничал с выдающимися людьми эпохи. Как и многие другие живописцы, в молодости Рубенс совершил поездку в Италию, где изучал памятники античности и работы мастеров Возрождения. Вернувшись на родину, он создал классический образ монументально алтарного образа барокко – «Воздвижение креста» и «Снятие с креста» (1610-1614).  Группа палачей и солдат ставит большой крест с пригвожденным к нему Христом. Разнообразные позы фигур, их сложные ракурсы и вздутые мышцы выражают крайнее напряжение физических сил, этой грубой мощи противопоставляется идеализированный образ Христа. Для Рубенса характерны могучие и пышные человеческие тела, полные жизненной силы, большой декоративный размах. Темой его полотен были мифологические и библейские сюжеты, исторические сцены.

Рубенс “Воздвижение креста” “Снятие с креста”

В картине «Охота на львов», эскиз для которой составляет одну из лучших рубенсовских вещей в собрании Эрмитажа, действие наделено необычайной стремительностью и страстностью. Вздыбившиеся кони, лев, терзающий падающего всадника, и поражающие его охотники слились в неразрывную группу, где безудержная сила и жизненная энергия превращаются в бешенство.

Он охотно обращается при этом к темам античного мира. Принадлежащая к числу шедевров мастера эрмитажная картина «Персей и Андромеда» (1620—1621) дает пример того, как свободно и реалистично использует он образы классической древности. Изображен момент, когда мифический герой Персей, прилетев на своем крылатом коне Пегасе, освобождает прикованную к скале Андромеду. Он победил державшего ее в плену дракона, и страшное чудовище бессильно разевает у его ног свою пасть. Восхищенный красотой пленницы, Персей приближается к ней, слава венчает победителя, амуры спешат служить ему.

Главной темой Рубенса был человек, живая и земная любовь, можно даже сказать страсть. Он был привержен к жизненной полноте, силе, размаху, буре движения. Он часто изображал обнажённые фигуры, часто грузное, теплое, полнокровное тело, налитое пышным цветом жизни и обычно выделенное светлым пятном на темном фоне. Так, он пишет «Елена Фоурмен в шубке». В портретах Рубенса аксессуары, фоны – пышные занавеси и т.

д. не мешали, а наоборот способствовали раскрытию характера персонажа, проникновению в его внутренний мир («Портрет камеристки»).

Реалистические тенденции в живописи можно наблюдать в творчестве великого голландского художника Рембрандта Гарменса ван Рейн (1606-1669). Тематика его творчества многообразна: религиозные сюжеты, мифология, история, портреты, жанровые сцены. Искусство Рембранта отличалось, прежде всего, любовью к человеку, гуманизмом, в каждом произведении Рембрандта – попытка передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни. Его герои – люди с противоречивыми характерами и непростыми судьбами.  Художник всегда изучает натуру, свою модель, не ограничиваясь изображением общих черт. В историю мировой живописи Рембрандт вошел как мастер автопортрета. Из года в год он изображал себя то веселым или грустным, то рассерженным или равнодушным. В ста созданных им автопортретах – история его жизни, биография души, исповедь художника.

На картине «Возращение блудного сына» изображён финальный эпизод притчи, когда блудный сын возвращается домой, «и когда он был ещё далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его», а его старший праведный брат, остававшийся с отцом, осердился и не хотел войти.

«Даная» написана по мотивам древнегреческого мифа о Данае, матери Персея. Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Бог Зевс, однако, проник к Данае в виде золотого дождя, после чего она родила сына Персея.

Во Франции XVII века господствовал классицизм. Классицизм

(фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв. В основе классицизма лежат идеи рационализма. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Мастера классицизма не передавали в своих произведениях непосредственную, окружающую их жизнь. Они изображали облагороженную действительность, стремились создать идеальные образы, соответствовавшие их представлениям о разумном, героическом и прекрасном. Тематика классицистического искусства ограничивалась главным образом античной историей, мифологией и Библией, а образный язык и художественные приемы заимствовались из классического античного искусства, которое в представлении мастеров классицизма больше всего соответствовало гармоническому идеалу разумного и прекрасного.

Основоположником классицизма во французской живописи был Никола Пуссен (1594-1665). Его произведения отличают глубокие идеи, мысли и чувства. Он считал, что искусство должно напоминать человеку «о созерцании и мудрости, с помощью которых он сумеет остаться твердым и непоколебимым перед ударами судьбы». В рамках сюжетов из античной мифологии и Библии Пуссен раскрывал темы современной эпохи. В своих произведениях он стремился к величавому спокойствию, благородной сдержанности, равновесию. Его идеал – герой, сохраняющий в жизненных испытаниях невозмутимое спокойствие духа, способный совершить подвиг. Мысль о быстротечности жизни и неизбежности смерти часто привлекала внимание Пуссена и послужила темой многих его работ. Лучшая среди них — картина «Аркадские пастухи» (Лувр), выполненная, по-видимому, в начале 1650-х годов. Она изображает четырех жителей легендарной счастливой страны — Аркадии, нашедших среди зарослей кустарника гробницу и разбирающих высеченные на ней слова: «И я был в Аркадии». Эта случайная находка заставляет задуматься аркадских пастухов, напоминая им о неизбежности смерти. Глубокая философская идея, лежащая в основе этой картины, выражена в кристально ясной и классически строгой форме. Характер фигур, их статуарность и близость к античным формам и пропорциям показательны для зрелого искусства мастера. Картина отличается необыкновенной цельностью замысла и выполнения, а затаенная грусть, которой она проникнута, придает ей совершенно своеобразную прелесть.

Одна из характерных черт его таланта – умение раскрыть внутренний мир человека в движении, в жесте, в ритмах.

В истории французской культуры период с начала царствования Людовика XV и до начала революции (1789) называют периодом Просвещения. Одной из важнейших характеристик культуры эпохи Просвещения является процесс вытеснения религиозных начал искусства светскими. Светское зодчество в XVIII веке впервые берет верх над церковным практически на территории всей Европы.
Социальная жизнь эпохи Просвещения было весьма противоречивой. Просветители боролись со «старым порядком», который тогда еще имел реальную силу. Не только стилем художественного творчества, но и образом жизни королевских дворов, олицетворяющих «Старый порядок» Европы становится рококо (от франц. «rocaille» – раковина). Название передает главную черту этого стиля – выбор сложной, изысканной формы и причудливости линий, напоминающих силуэт раковины.
Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.

Архитектура рококо

В отличие от барокко, которое было исключительно придворным стилем, рококо было искусством аристократии и высших слоев буржуазии. Теперь главной целью мастера стало не прославление кого-либо или чего-либо, а удобство и удовольствие конкретного человека. Архитекторы рококо стали заботиться о комфорте человека. Они отказались от помпезности величественных барочных зданий и старались окружить человека атмосферой удобства и изящества. Живопись также отказалась от «великих идей» и стала просто красивой. Избавленные от бурных эмоций барокко, картины наполнились холодным светом и тонкими полутонами. Рококо был, пожалуй, первый почти полностью светский стиль в истории европейского искусства. Как и философия Просвещения, так и искусство рококо отделились от церкви, отодвинув религиозные темы далеко на задний план. Отныне и живопись, и архитектура должны были быть легкими и приятными. Галантное общество XVIII века устало от нравоучений и проповедей, люди желали наслаждаться жизнью, получая от нее максимум удовольствий.
Рококо проявлялся не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели и живописи. Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола. Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели: консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза». Позолоченные канделябры, часы, фарфоровые статуэтки, гобелены, ширмы – обязательные элементы стиля рококо. В обилие используются зеркала и картины, весящие ассиметрично. На диванах и креслах используйте шелковые подушки и пуфы с сюжетной вышивкой. Интересный факт – именно стиль дизайна рококо внес в интерьер такое новшество как аквариум в интерьере.

Интерьер рококо

Главные темы живописи рококо – изысканная жизнь придворной аристократии, «галантные празднества», идиллические картины «пастушеской» жизни на фоне первозданной природы. Одним из величайших мастеров французского искусства 18 века был Антуан Ватто (1684—1721), художник тонкого поэтического чувства и большого живописного дарования. Мечтательный и меланхоличный мастер «галантных празднеств», он внес в изображение жизни светского общества подлинную поэзию и глубину чувств, а в трактовку любовных сцен и беспечных увеселений оттенок какой-то тоски и неудовлетворенности. Очень часто мы встречаем в его картинах образ одинокого мечтателя, меланхолического и грустного, погруженного в раздумье и удалившегося от шумного веселья, от суетного тщеславия толпы. Это — подлинный герой Ватто. Произведения его всегда овеяны лирической грустью. Мы не найдем в них бурного веселья, резких и звучных красок. Особенно любит он изображать гуляющих или развлекающихся дам и кавалеров на фоне пейзажа, в заросших тенистых парках, на берегу прудов и озер. Таковы две очаровательные картины Дрезденской галереи, например «Общество в парке», где все проникнуто тонким лирическим настроением, и даже мраморные статуи античных богов, кажется, с благосклонностью взирают на влюбленных.

“Прибытие на остров Киферу”

Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Франсуа Буше был художником, идейно связанным с аристократическим обществом в период его упадка; он запечатлел в своих полотнах то стремление к наслаждению всеми благами жизни, которое царило среди высших классов в середине 18 века. В творчестве Буше получают широкое распространение мифологические сюжеты, дающие повод для изображения обнаженного женского и детского тела. Особенно часто он пишет мифологических героинь — в разные моменты их любовных похождений или занятых туалетом. Не менее характерны для Буше и так называемые пасторали, или пастушеские сцены. Увлечение пасторальными темами, характерное для всей эпохи, было отражением модных тогда теорий, согласно которым счастливы лишь наивные люди, живущие вдали от цивилизации, на лоне природы. Его пастухи и пастушки — нарядные и миловидные юноши и девушки, немного костюмированные и изображенные на фоне пейзажей. Помимо пасторалей и мифологических картин он писал жанровые сцены из быта аристократического общества, портреты (особенно часто портреты маркизы Помпадур), религиозные изображения, решаемые обычно в том же декоративном плане («Отдых на пути в Египет»), цветы, орнаментальные мотивы. Буше обладал неоспоримым талантом декоратора, он умел связать свои композиции с решением интерьеров.

Мода рококо

Вопросы и задания:

1. Расскажите об эстетических признаках стиля барокко
2. Расскажите об особенностях живописи бароккко на примере творчества Рубенса
3. Расскажите о живописной манере Рембрандта
4. Почему стиль рококо считается стилем аристократии?
5. Составьте заочную экскурсию по Версалю

После знакомства с представленными материалами необходимо выполнить проверочные и контрольные задания, представленные здесь же. В случае необходимости, контрольные материалы отсылаются на электронную почту преподавателя по адресу:[email protected]

 

Искусство 17 века. Архитектура – презентация онлайн

ПРИЛОЖЕНИЕ:
Искусство 17 века
АРХИТЕКТУРА
1. Градостроительство в эпоху барокко.
 
Барокко оставило нам грандиозные городские ансамбли — как новые города, так и перестроенные старые. 
Образцы градостроительства эпохи Возрождения более камерные. Только при абсолютной монархии у правителя 
достаточно власти, чтобы радикально менять планировку большого города, пренебрегая интересами, а часто и 
законными правами многих собственников земли.
 
Первый пример городской планировки барокко — исторический центр Рима, где сквозь древнюю, стихийно 
сложившуюся, сеть мелких улочек на рубеже XVI — XVII вв. пробили несколько длинных и прямых улиц, 
соединивших важнейшие храмы города. Рим в это время — главный центр паломничества в Европе, и 
перепланировка упорядочила движение масс паломников по городу и облегчила им путь.  А для жителей Рима в 
те же годы строили фонтаны — источник питьевой воды в городе. 
 
Другой пример барочной планировки города — центральная 
ось Парижа. Она начала формироваться ещё в XVI в., когда 
был построен дворец Тюильри (не сохранился) и при нём 
разбит сад, центральная аллея которого соединила главные 
павильоны Тюильри и Лувра. В XVII — XIX вв. на оси сада 
Тюильри построены: площадь Согласия, аллея Елисейских 
полей, две триумфальные арки Наполеона (на площади 
Карузель и на площади Звезды), а в 80-е гг. XX в., уже за 
пределами Парижа — арка Дефанс, замыкающая эту 
приблизительно 10-километровую ось.
Шарль Фишо.
Вид Парижа.
Ок. 1855 г.
wikipedia.org
Другой пример французского города с барочной регулярной планировкой — Весаль, город, выросший при 
знаменитом дворце Людовика XIV.
Улицы городов и аллеи парков эпохи барокко — прямые и очень протяжённые. В Париже и Версале они уходят за 
горизонт. Площади эпохи барокко не всегда имеют замкнутую застройку по периметру: часто с них открываются 
далёкие виды на город, расположенный ниже по склону (такова площадь Капитолия в Риме, спроектированная 
Микеланждело — первый пример «разомкнутой» застройки площади), или на противоположный берег реки (как в 
площади Согласия в Париже архитектора Габриэля).  Это большое новшество: городская площадь эпохи 
Возрождения обычно невелика и окружена сплошной застройкой со всех сторон, представляет собой этакий 
«городской интерьер».
Версаль.
Планировка 1660-х гг.
ToucanWings/wikipedia.org
Важнейший лейтмотив барочной городской планировки — «трезубец» из трёх прямых улиц, расходящихся из 
одной точки. Раньше всего он появляется в Риме, где три главные улицы Марсова поля расходятся от Пьяцца 
дель Пополо, площади у ворот в городской стене; затем — в Версале (в планировке не парка, а именно города 
Версаля, здесь улицы сходятся перед воротами королевского дворца), а потом — Петербурга, где в перспективе 
всех трёх улиц виден шпиль Адмиралтейства. 
Джованни Баттиста Пиранези.
Вид Пьяццы дель Пополо в Риме.
Ок. сер. 18 в.
(На гравюре вы видите две церкви:
Карло Райнальди, Карло Фонтана.
Церковь Санта Мария ин Монтесанто
и церковь Санта Мария деи Мираколи. 
Их построили Карло Райнальди и Карло Фонтана.
в 1661-1679 гг.).
wikipedia.org
2. Как сделана барочная церковь.
Большинство церквей барокко — однонефные базилики, перекрытые цилиндрическим сводом, с трансептом, 
куполом над средокрестием и фонарём в куполе. По сторонам от центрального нефа располагаются капеллы — 
маленькие частные церкви с собственными алтарями, принадлежащие знатными семьям. Капеллы также служат 
родовыми усыпальницами этих семей. Главный алтарь храма находится в полукруглой апсиде, пол которой, как 
правило, приподнят над уровнем пола в нефе. Алтарное пространство отделено от храма невысокой оградой, и 
алтарь хорошо виден из нефа. Это необходимо, так как порядок богослужения, установленный Тридентским 
собором католической церкви (1545 — 1563), требует, чтобы прихожане были свидетелями чуда пресуществления 
Даров.
Фасад барочной церкви — двухъярусный. Верхний ярус уже, чем нижний. Верхний ярус фасада находится на уровне 
свода нефа и закрывает торец этого свода.  Поэтому ширина верхнего яруса фасада соответствует ширине 
церковного нефа, а за боковыми интерколумниями нижнего яруса находятся капеллы.
Такая планировка церкви была выработана в Италии в эпоху Возрождения, а в XVII в. широко распространяется по 
всему католическому миру, от Литвы до Латинской Америки.
Фонарь
Купол
Свод
Апсида
Капеллы
Карло Мадерна.
Церковь Сант’Андреа делла Валле
в Риме.
1590 – 1650 гг.
(фасад Карло Райнальди,
1655 – 1633 гг.).
wikipedia.org
3. Несколько
архитектурных терминов
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
7.
Порталы
Колонна
Пилястра
Сандрик
Волюта
Раскрепованный антаблемент
Разорванный фронтон
5. 
6.
4.
1.
3.
2.
1.
Андреа Пальма.
Фасад собора в Сиракузах.
1728 – 1753 гг.
pjt/wikipedia.org
ЖИВОПИСЬ
17 век часто именуется эпохой барокко.
Слово  «барокко» переводится с итальянского языка как «причудливый», «странный».  Строгой рациональности и 
уравновешенности ренессансных композиций художники барокко противопоставляют бурное движение, 
динамичность усложненной композиции. 
Стремясь понять, что собой представляет 17 век и чем он отличается от предыдущей эпохи, Г. Вёльфлин в своей 
книге «Основные понятия истории искусства» выделяет следующие оппозиции:
Ренессанс
– линейность
– плоскостность
– замкнутая форма
– тектоническое начало
– безусловная ясность 
Барокко
– живописность
– глубина
– открытая форма
– атектоническое начало
– неполная ясность
За этими на первый взгляд простыми парами понятий стоит сложная и многогранная искусствоведческая 
концепция. 
Каждое из этих «основных понятий» Вёльфлин подробно комментирует и раскрывает его особенности в 
искусстве разных стран.
Однако не все искусство 17-го века умещается в рамки понятия «барокко». Искусство Италии, Испании и 
Фландрии – да, умещается.
А вот во Франции в этот период развивается стиль классицизм (вы также можете встретить термин «барочный 
классицизм»), во многом отличный от эстетических установок барокко.  Даже беглого взгляда на картины Никола 
Пуссена и Питера Пауля Рубенса достаточно, чтобы почувствовать, что эти мастера шли разными путями. 
Мы с вами говорили о том, что в их искусстве есть общие моменты, но – есть и радикальные отличия, связанные 
с логикой формообразования в картине. 
«Построение картин, где пластически осязаемые фигуры включаются в общий ритм композиции, обладает 
ясностью и завершенностью. Особой выразительностью отличается всегда четко найденное движение фигур, 
этот, по словам Пуссена, “язык тела”. Цветовая гамма, часто насыщенная и богатая, также подчиняется 
продуманному ритмическому соотношению красочных пятен*,» – таков Пуссен.
Рубенс же славен своим даром свободно «повелевать внушительными красочными массами**», главное в его 
полотнах – динамика, порой композиция даже кажется хаотичной, его главное выразительное средство – цвет, он 
моделирует с помощью цвета, не подчиняя его рисунку.
Ученики и последователи обоих мастеров стремились акцентировать скорее различия, чем сходства их манер, и 
это вызвало знаменитый спор «пуссенистов» и «рубенсистов» второй половины 17 века.
*Т.П.Каптерева / Всеобщая история искусства. М.: 1963 г., Т. 4
**Э.Гомбрих. История искусства. Phaidon Press Limited, 1995. Глава 19.
Вот как пишет об этом С.М.Даниэль:
«Две партии, названные по именам почитаемых мастеров, столкнулись на почве явного недоразумения, что не 
мешало вспыхнуть настоящим страстям. Сохраняя за Пуссеном достоинства верного последователя древних, 
партия “рубенсистов” отрицала в его искусстве какую-либо живописность и “скверному” его колориту 
противопоставляла мощь палитры Рубенса. Критика же Рубенса с академических позиций отмечала у него 
недостатки в рисунке вместе с вульгарностью типов. Здесь мы встречаемся с характерным противопоставлением 
рисунка и колорита; к сожалению, подобные схоластические споры ведутся по сей день. Поистине нужно быть 
слепым, чтобы не видеть колористических достоинств Пуссена. Другое дело, что пуссеновский колорит входит в 
иной композиционный ансамбль, нежели колорит. Легко заметить, что французский мастер реабилитирует 
значение локального цвета, и в этом отношении его колорит несколько архаичен для эпохи барокко.  Однако как 
родоначальник европейского классицизма Пуссен и в области цвета оказывается подлинным новатором, лишний 
раз доказывая тезис о новизне “хорошо забытого старого”»*.
Поэтому вполне логично, что спор «пуссенистов» и «рубенсистов» в 18-м веке закончился синтезом обеих манер в 
искусстве в частности Жана-Антуана Ватто.
* С.М. Даниэль. Искусство видеть. СПб.: Амфора, 2006. Глава 2.
 
Н. Пуссен.
Царство Флоры (фрагмент). 1631 г.
П.П. Рубенс.
Вакханалия (фрагмент). Ок. 1615 г.
wga.hu
arts-museum.ru
Еще более интересен контраст в искусстве близких друг другу стран: Фландрии и Голландии. Мы с вами 
говорили о том, что вначале это была одна страна – Нидерланды, – но в 17-м веке произошло разделение на 
почве политических, экономических и религиозных разногласий. Художники Фландрии придерживались 
барочного стиля католических стран,    а голландцы выработали собственный художественный язык.  
Возьмем, к примеру, такой жанр как натюрморт.
Во Фландрии натюрморты пишутся с размахом. Это большие полотна, написанные яркими красками. Они 
производят сильное впечатление, пышные композиции захватывают своим динамизмом. Такие картины 
призваны украшать богато обставленные дома. А в Голландии натюрморты меньше по формату и более скромны 
(и утонченны) в плане колорита, их композиция более «устойчива». Это небольшие картины, которые бюргер 
вешает в своем доме, рассчитывая подолгу всматриваться в них, размышляя над символическим смыслом 
изображенного. То же можно сказать и о жанровых сценах.
Arts-museum.ru
Франс Снейдерс. Рыбная лавка. Ок. 1616 г. (134 х 204 см.)
Питер Клас. Завтрак.
1646 г. (60х84 см.)
Впрочем, есть у разных 
художественных школ и общие 
черты.
Одна из таких характерных черт 
искусства 17 века: любовь к 
оптическим эффектам.
Мы с вами уже говорили об 
удивительных росписях стен и 
плафонов, которые визуально 
разрушают архитектурную 
плоскость, создают «прорыв» в 
бесконечное, необозримое, 
чарующее пространство.
Андреа Поццо.
Плафон цервки Сант Иньяцио.
Ок. 1690 г. 
 
Еще одна оптическая забава, популярная в 17-м веке: камера обскура.
Это оптический инструмент, в котором лучи, проходя чрез выпуклое стекло, отражаются на противоположной 
стороне и дают уменьшенное изображение предмета.
Этот эффект был известен еще в Древнем мире, но тогда приходилось затемнять целую комнату (отсюда и 
название: «камера» – «комната»), а в 17-м веке с развитием оптики стало возможно изготовить такое стекло, 
которое позволит получить четкое изображение в совсем небольшой камере, в ящике.
Камера обскура величиной с комнату. Рисунок 17 века.
Оптически усовершенствованная камера обскура.
wikipedia.org
wikipedia.org
А эксперименты с линзами в свою очередь позволяли художникам добиваться разных 
композиционных эффектов.
Большой интерес к возможностям камеры обскуры питал голландский художник Карел Фабрициус 
(старший современник и, возможно, учитель Яна Вермеера).
Карел Фабрициус.
Вид Делфта. 
1652 г.
wikipedia.org
Камера обскура продолжала пользоваться популярностью и в 18-м веке, и в 19-м.
К слову, один из изобретателей фотографии, Луи Дагер, до того, как стать изобретателем, был художником. Он 
прекрасно знал возможность камеры обскуры, потому что создавал с ее помощью очень большие и 
изумительно правдоподобные театральные декорации.
Вместе с Нисефором Ниепсом они думали о том, как соединить силу света, оптику и новейшие открытия 
химиков. В 1839-м году эксперимент удался.
Появление фотографии сильно «встряхнуло» живопись, открыло художникам новые возможности и поставило 
перед ними новые, неожиданные вопросы. Но подробнее о том, что это были за вопросы, мы порассуждаем в 
следующем приложении.   
А пока насладимся пейзажем Каналетто, художника 18 века, виртуозно использовавшего камеру обскуру.
Джованни Антонио Каналь (Каналетто)
Возвращение Бучинторо к молу у Дворца дожей.
1727 – 1729 гг.
arts-museum.ru

Что такое архитектура барокко?

К

Лорен Томанн

Лорен Томанн

Лорен Томанн увлечена рукоделием и обустройством дома своими руками, пишет на обе темы. Самостоятельно ремонтируя свое бунгало 1916 года, она делится уроками, полученными в своих статьях «Сделай сам» и обустройстве дома.

Узнайте больше о The Spruce’s Редакционный процесс

Обновлено 02.02.22

Факт проверен

Сара Скотт

Факт проверен Сара Скотт

Сара Скотт занимается проверкой фактов и исследователем, работала в сфере индивидуального строительства в сфере продаж, маркетинга и дизайна.

Узнайте больше о The Spruce’s Редакционный процесс

На первый взгляд архитектура барокко напоминает строительные технологии эпохи Возрождения. Однако архитекторы эпохи барокко были явно более театральными. Они намеренно изменили классические элементы, чтобы здания были более показными и вызывающими воспоминания.

Что такое архитектура барокко?

Архитектура барокко — очень богатый стиль строительства, дизайна и искусства, который зародился в Италии в 17 веке и распространился на остальную Европу и, в конечном итоге, в США. Он характеризуется чрезвычайно детализированными формами, мрамором, крупномасштабным декором. , и яркие цвета. Стиль барокко должен был представлять славу Римско-католической церкви.

Картины и скульптуры в стиле барокко стали неотъемлемой частью зданий в Италии и во всей Западной Европе. По сути, архитекторы рассматривали такие сооружения, как церкви, как большие скульптуры, а не коробку с квадратными стенами и традиционными формами зданий.

История

Архитектура барокко зародилась в Италии.

В целом архитектура барокко возникла в ответ на бурный период, начавшийся в 16 веке. Те, кто находился у власти, хотели использовать архитектуру и искусство как способ продемонстрировать силу, богатство и известность. Нигде это не проявляется так ярко, как в реакции католической церкви на протестантскую Реформацию.

За это время религиозные лидеры могли повлиять на культуру и формы искусства, которые стали известными. Для католической церкви наиболее важным способом сохранить это влияние было строительство грандиозных церквей и соборов.

Художники и архитекторы по заказу начали возрождать представления эпохи Возрождения о красоте и реализме, только на этот раз в еще более богатой и экстравагантной манере. В период барокко художники создали несколько новых техник, призванных вызывать эмоции и лояльность.

Затем этот стиль распространился по всей Европе и Южной Америке.

После того, как Папа и другие католические правители начали строительство, этот стиль быстро распространился по Европе и Южной Америке из-за колонизации. Архитектура барокко отсутствует в Северной Америке, потому что в то время континент только колонизировался.

Архитектура барокко имеет тонкие различия в зависимости от страны. По мере того, как стиль барокко становился популярным, локации меняли основные характеристики, чтобы соответствовать их повестке дня и образу жизни. В большинстве случаев здания сильно украшены и содержат элементы, которые кажутся необычными и даже незавершенными.

Два известных примера архитектуры барокко – церковь Санта-Сусанна и дворец Казерта в Италии.

Характеристики

Может быть сложно различать архитектурные стили, особенно когда строители используют формы из разных стилей. Ищите эти ключевые элементы в архитектуре барокко.

• Большие купола или купола . Эти купола обычно располагались в центре здания.
• Сложные мотивы и украшения. Детали невероятно замысловатые, что добавляло экстравагантности и сакральности пространству.
• Позолоченная скульптура внутри и снаружи. Статуи были сделаны из гипса или мрамора и имели контрастные цвета и текстуры.
• Привлекательные функции. Это могут быть изогнутые стены, расписные потолки, сводчатые потолки, колонны, скульптуры, арки, ниши, фонтаны, завитки, сломанные фронтоны и т. д. Многие из этих элементов создают ощущение движения, известное как 9.0070 динамизм .
• Двухскатная мансардная крыша. Этот кровельный элемент является ключевой особенностью архитектуры французского барокко и использовался во многих замках или загородных особняках.

Интересные факты

Архитектура барокко частично совпадает с архитектурой эпохи Возрождения.

Ренессанс имел место в течение 15-го и 16-го веков, а период барокко последовал за ним. Таким образом, архитекторы эпохи барокко адаптировали классические формы эпохи Возрождения и римлян. Например, базилика Святого Петра в Ватикане является примером церкви, в которой есть элементы, вдохновленные движениями барокко и ренессанса.

Художники и архитекторы эпохи барокко были мастерами света.

Период барокко — один из первых случаев, когда художники обратили пристальное внимание на свет. Отделка была выбрана в зависимости от того, как будет отражаться свет. Кроме того, они включали области интенсивного света и темноты, чтобы показать контраст и создать драму. Вы можете увидеть этот эффект в областях зданий, которые намеренно оставлены темными, а также на картинах. Этот эффект известен в мире искусства как Chiaroscuro.

Архитектура барокко и колониализм тесно связаны.

Европейский колониализм, возможно, помог финансировать некоторую роскошь зданий в стиле барокко. В частности, в Испании и Франции, поскольку колониальные деньги помогали правителям строить сложные дворцы и особняки, чтобы продемонстрировать свою власть.

Существуют различные стили и периоды архитектуры барокко.

Эстетику барокко можно разделить на два стиля: полное барокко и сдержанное барокко. Первый был более распространен в юго-западной Европе на протяжении большей части 17 века с 1600 по 1675 год. Сдержанное барокко было замечено в северо-западной Европе в период позднего барокко с 1675 по 1725 год.

Слово барокко означает несовершенный жемчуг.

Период барокко был назван столетия спустя с намерением запечатлеть чрезвычайное богатство и драматизм эпохи. Термин барокко намекал на некоторые роскошные жемчужные броши того времени.

Таким образом, архитектура барокко — это театральный стиль строительства, зародившийся в Италии в 17 веке. Строения в стиле барокко представляли собой преимущественно церкви, особняки и дворцы и предназначались для демонстрации богатства, власти и красоты. Архитектура эпохи барокко не существует в Северной Америке, но определенные темы, такие как динамизм и светотень, были реализованы в других формах искусства и стилях строительства.

Архитектура барокко: все, что вам нужно знать

Для тех, кто любит представление, возможно, нет более театрального стиля здания, чем архитектура барокко. «Происхождение слова «барокко» не совсем ясно, но обычно оно ассоциируется с неправильными формами, а также с богатством», — говорит Лаура Фостер, историк архитектуры и профессор Университета Джона Кэбота, чьи исследования сосредоточены на архитектуре барокко. Этот стиль, зародившийся в Италии в конце 16 века и процветавший в некоторых частях Европы, отличался величием и отчетливым драматическим чутьем. В этом руководстве от  AD, узнайте, как возникла архитектура барокко, откройте для себя известные образцы этого стиля и узнайте, что именно отличает этот вид от других орнаментов.

Что такое архитектура барокко?

Строго говоря, архитектура барокко относится к роскошному архитектурному стилю, зародившемуся в Италии в конце 16 века. «Это очень широкий термин, используемый для европейской архитектуры 17-го и начала 18-го веков», — объясняет Фостер. Как определяет это Мерриам Вебстер, стиль здания «обычно характеризуется использованием сложных форм, смелым орнаментом и сопоставлением контрастных элементов, часто передающих ощущение драмы, движения и напряжения». Архитектурный стиль является структурным проявлением более крупного движения в искусстве и дизайне, обычно называемого периодом барокко, которое также включало в себя столь же сложные и драматические работы в изобразительном искусстве и музыке.

Собор Сантьяго-де-Компостела в Ла-Корунье, Испания

Фото: Кристиан Лейва/NurPhoto/Getty Images

Часто архитекторы эпохи барокко использовали в своих работах сложные мотивы и украшения с упором на органичные изогнутые линии и яркие цвета. «Термин «барокко» изначально использовался как эпитет для описания зданий, дизайн которых отклонялся от принципов, установленных в эпоху Возрождения», — добавляет Фостер. Этот стиль распространился в основном в 17 веке в Европе, особенно в Германии, и даже пробился в колониальную Южную Америку. Работы позднего барокко, возникшие в середине-конце 18 века, часто называют стилем рококо или чурригереском в Испании и испанской Америке. Эта итерация стиля была еще более украшенной и сложной.

История архитектуры барокко

В отличие от других архитектурных стилей, эстетика барокко возникла не только из-за смены культурных вкусов или идеологий. Скорее, катализатором появления зданий в стиле барокко стала продолжающаяся напряженность между католической церковью и протестантскими реформаторами. «Истоки архитектуры барокко часто связаны с религиозными условиями, начавшимися в конце 16 века», — говорит Фостер. В то время протестантские верующие отвергли авторитет римского Папы и отреклись от многих римско-католических учений. Это было известно как протестантская Реформация.

Архитектура в стиле барокко, известная как Контрреформация, была частью церковной кампании по возвращению прихожан в католическое богослужение. Католики полагали, что строя церкви, вызывающие благоговение и эмоции, они смогут привлечь к себе прихожан. Церковь поручила архитекторам переосмыслить многие элементы архитектуры эпохи Возрождения, такие как купола и колоннады, и сделать их более величественными и драматичными. Внутри почти все дизайнерские решения были приняты для того, чтобы посетители смотрели вверх, чтобы прихожане чувствовали себя так, как будто они смотрят на небеса. Квадратура или обманки на потолках или извилистых колоннах, которые вызывали восходящее движение, часто использовались как часть этого.

Церковь Карлскирхе в Вене

Фото: Avalon/Universal Images Group/Getty Images

Архитектура раннего барокко была в основном сосредоточена в Риме, а затем распространилась на другие итальянские города, прежде чем проникнуть в другие европейские страны. Одними из самых ранних завершенных работ в период барокко были церковь Джезу в 1584 году и фасад базилики Святого Петра, спроектированный в 1612 году. , но и светские здания тоже. Одним из самых известных примеров этого, построенным по заказу Людовика XIV во Франции, является Версальский дворец.

«Стиль барокко перекликался с неоклассицизмом в 18 веке, который к концу века в значительной степени заменил [архитектуру барокко]», — говорит Фостер о конце стиля. «Его исчезновение отчасти было связано с религиозными ассоциациями со стилем барокко, а также с его отождествлением с монархией и абсолютизмом».

Определяющие элементы и характеристики архитектуры барокко

Версальский дворец в Париже

Фото: Владислав Золотов/Getty Images

Самые популярные

По словам Фостера, есть три основных элемента, которые определяют все здания в стиле барокко. «Во-первых, есть ощущение монументальности, даже когда пространство на самом деле маленькое», — говорит она. Это можно увидеть во многих структурах в стиле барокко, хотя, по ее словам, фасад церкви Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане Франческо Борромини является особенно хорошим примером. Далее, дизайн в стиле барокко иллюстрирует желание создать воплощение архитектурного пространства. «Это было сделано путем создания театральных форм посредством манипулирования классическими ордерами, кривизной стен и фасадов и динамической последовательностью пространств», — объясняет она, приводя в качестве хорошего примера церковь Сант-Андреа-аль-Квиринале Джан Лоренцо Бернини. Наконец, свет играет жизненно важную роль в работах в стиле барокко. «Его использование часто связано с отражающими или мерцающими поверхностями, такими как широкое использование золота во внутренней отделке церквей и дворцов», — говорит она.

Что определяет стиль барокко?

Чтобы лучше понять стиль архитектуры, рассмотрим элементы и характеристики архитектуры барокко. Хотя это и не исчерпывающий список, многие здания в стиле барокко будут использовать следующее: 

• Сводчатые купола
• Вращающиеся и вращающиеся колоннады
• Грубый камень и гладкая штукатурка на стенах и дверных проемах 
• Фрески и богато расписанные потолки  900 58
• Тромплёй картины — по-французски «обманывает глаз» — на потолках и стенах. Этот стиль включал в себя гиперреалистичные предметы, такие как нарисованные окна, которые давали зрителю ощущение, что окна действительно существуют  
• Использование сложных форм и меньший упор на строгую жесткость или порядок
• Золочение в интерьере и экстерьере 
• Проработанный и высокодекоративный дизайн интерьера 

Известные образцы архитектуры и архитекторы в стиле барокко 

Рассмотрим следующий список известных архитекторов и зданий периода барокко: 

Церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане работы Франческо Борромини, Рим, Италия 

Фасад церкви Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане

Фото: karambol/Getty Images

Most Popular

Эта римская церковь, построенная между 1638 и 1646 годами и построенная между 1638 и 1646 годами, была построена в 1634 году и была спроектирована Франческо Борромини как монастырь для небольшой группы испанских монахов. Хотя он построен на относительно небольшом участке, это яркий пример того, как архитектура барокко подчеркивает ощущение монументальности. Изогнутый волнообразный фасад также часто упоминался в более поздних работах в стиле барокко.

Иезуитская церковь Иль Джезу работы Джакомо да Виньола, Рим, Италия

Главный неф и алтарь иезуитской церкви Иль Джезу

Фото: Кристиан Эндер/Getty Images 

 Иезуитская церковь Иль-Джезу, один из наиболее цитируемых образцов архитектуры барокко, является материнской церковью иезуитов. Планировка с одним проходом, боковыми часовнями и большим куполом над нефом и трансептами стала стандартной для многих церквей в стиле барокко. Фреска на нефе, 90 070 Триумф имени Иисуса Джованни Баттиста Гаулли считается одним из самых нетронутых образцов искусства барокко.

Церковь Сант-Андреа-аль-Квиринале Джан Лоренцо Бернини, Рим, Италия

Купол церкви Сант-Андреа-аль-Квиринале

Фото: sedmak/Getty Images. Говорят, что Джан Лоренцо Бернини невероятно гордился этим сооружением и считал его одним из лучших своих произведений. Сильно позолоченный купол символизирует то, как церкви в стиле барокко побуждали посетителей смотреть вверх.

Собор Святого Павла работы Кристофера Рена, Лондон, Англия

Двор внутри Собора Святого Павла

Фото: Prisma by Dukas/Getty Images

Собор Святого Павла, резиденция лондонского епископа, является одним из самых знаменитых зданий в стиле барокко в Англии. Он считается более сдержанной версией стиля барокко, а большой купол собора остается одной из самых узнаваемых частей лондонского горизонта.

Версальский дворец Луи Лево, Жюля Ардуэна-Мансара и Робера де Котта; Версаль, Франция

Зеркальный зал Версальского дворца

Фото: Ален Жокар/Getty Images

Самый популярный

Версальский дворец, выполненный в стиле французского барокко, часто называют одной из самых примечательных королевских резиденций в мире. По заказу Людовика XIV каждый элемент конструкции призван прославлять короля. Очень экстравагантный Зеркальный зал, пожалуй, самая известная комната в здании.

Каково значение архитектуры барокко?

Как и любой эстетический период, понимание архитектуры барокко помогает рассказать историю человечества.